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lunes

▼ REVIEWS

XX Semana de Terror de San Sebastián 2009 (Día 1 y 2)

Crónica: Día 1 y 2 por José Luis Alonso


CARTEL



COLAS



PRESENTACIÓN




CELEBRACIÓN




HOMENAJE



EXPOSICIÓN







PREMIO



----- DÍA 1º -----



VERTIGE (2009 - Francia) de Abel Ferry

Sinopsis: Un grupo de jóvenes aficionados a los deportes de aventura que deciden aprovechar sus vacaciones para ir a la montaña a seguir una via ferrata (vía de alpinismo marcada). Cuando parece que el mayor peligro al que se deben enfrentar es la dureza de la escalada, el riesgo de moverse a centenares de metros de altura, la adrenalina de la aventura... descubren con asombro que no están solos allá en las cumbres.

Comentario: Película inspirada en parte en otro film sobre cacería humana como es "Deliverance (1972)" de John Boorman. Un film con una lograda, prometedora y espectacular primera parte que lamentablemente termina decepcionando en su prolongación, por transitar por terrenos poco novedosos y más que predecibles incluso en sus artificiales giros finales. Con todo no perdemos la esperanza de que su director logre en futuros trabajos superar la irregularidad del presente trabajo. "Vertige" atesora la suficiente calidad como para justificar ser el film de inauguración del Festival. NOTA DEL PÚBLICO: 6,1/10





INFESTATION (2009 - USA) de Kyle Rankin

Sinopsis: Cooper se despierta desorientado en su oficina, se siente débil, tiene náuseas, y está rodeado de una especie de telaraña. El mundo ha sido tomado por una especie de insectos gigantes de otro mundo. Cooper se une a un grupo de supervivientes -Entre los que se encuentra la atractiva Sarah- para hacer frente a los monstruos. Aunque la situación es desesperada, nuestro héroe no puede dejar de dedicarse a su nuevo problema sentimental mientras lucha por salvar la vida. Una raza de insectos gigantes parece haber conquistado la Tierra, mientras los escasos supervivientes humanos tratan de sobrevivir enfrentándose a ellos.

Comentario: Divertida y trepidante ópera prima de su director, Kyle Rankin. El film es una Serie B a medio camino entre "Arack attack" y "Zombies Party" que contiene 270 planos con efectos especiales. Solo ha sido vista en Festivales ya que se acabada de editar directamente en DVD. Lo cual es entendible pues su tratamiento es casi infantil y su humor aunque disfrutable resulta demasiado grueso. A duras penas su calidad cinematográfica puede justificar su presencia en la Sección Oficial del Festival, justificación que si encontramos en su capacidad de entretener dignamente a todo tipo de públicos. NOTA DEL PÚBLICO: 5,3/10




VAMPIRE GIRL vs. FRANKENSTEIN GIRL (2009 - Japón) de Yoshihiro Nishimura, Naoyuki Tomomatsu

Sinopsis: Una lucha a muerte entre una muchacha Frankenstein (cuando estaba viva pertenecía a la gloriosa tribu japo de las lolitas góticas) y una chica vampiro que regala a sus enamorados bomboncitos de San Valentín rellenos del licor de su sangre, muchacha apoyada por la división ganguro del colegio (chicas amarillas que sueñan con ser negras y se tuestan para lograrlo).

Comentario: Salida de madre de escasa gracia y disparatadas pretensiones que roza en todo momento lo esperpéntico. No justifica su presencia en el Festival ni programándola a las 2:00 de la mañana. Irradia mal gusto y resulta totalmente infantil en sus planteamientos y logros. Desquiciada puesta en escena a juego con unos chillones decorados. Solo los fx y alguna coreografía pueden salvarse de la quema de este film tan esteticista y prescindible. NOTA DEL PÚBLICO: 4,9/10




----- DÍA 2º -----



NÚMERO 9 (2009 - USA) de Shane Acker

Sinopsis: Aventura post-apocalíptica protagonizada por nueve muñecos de trapo que deberán enfrentarse a unas máquinas gigantes si quieren preservar el futuro de la civilización. La historia transcurre en un futuro muy próximo. El invento conocido como la Gran Máquina activa y aporta energía a las máquinas que se han alzado contra la raza humana, diezmando a la población, antes de empezar a apagarse. El mundo pronto quedará destruido, pero un grupo de pequeños seres intenta salvar lo poco que queda de la civilización. Está compuesto por nueve criaturas a las que un científico infundió vida poco antes de la catástrofe. Entre el grupo, Número 9 (voz de Elijah Wood) demuestra tener madera de líder y cualidades que quizá les ayuden a sobrevivir e incluso a prosperar. Los demás miembros del grupo son Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la fecha; Número 2 (Martin Landau), un generoso y ahora frágil inventor; Número 3 y Número 4, gemelos de una gran erudición que se comunican sin palabras y sobre todo entre sí; Número 5 (John C. Reilly), un inquebrantable ingeniero; Número 6 (Crispin Glover), un artista errático atormentado por las visiones; Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente, y Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y no muy listo guardaespaldas de Número 1.Con un grupo tan reducido, estas creaciones "stitchpunk" ("residuopunk", derivado de la corriente "steampunk") deben hacer acopio de una fuerza desproporcionada a su tamaño para engañar y luchar contra las máquinas que aún funcionan, una de las cuales es una bestia mecanizada. En las tinieblas que preceden al amanecer, Número 9 debe reagrupar y animar a los suyos para hacer frente común al peligro inminente...

Comentario: Acker ha desarrollado este largometraje a partir de un corto suyo de idéntico título que recibió una nominación al Oscar en 2006. Producido por Tim Burton y Timur Bekmambetov. Sin duda uno de los tres mejores films que ha pasado este año por la Semana de Terror. De gran creatividad y suficiente entidad propia como para desmarcarse dentro del mundo de la animación. Gustará a todos los públicos gracias a su dramatización más bien adulta. Lastima que un guión con algunas situaciones demasiado forzadas le reste veracidad. Con todo estamos ante un pequeño clásico y la ópera prima de su autor, al cual de ahora en adelante seguiremos con interes. NOTA DEL PÚBLICO: 7,7/10




PANDORUM (2009 - USA, Alemania) Christian Alvart

Sinopsis: A ochocientos millones de kilómetros de la Tierra, en una inmensa nave espacial a la deriva, ya puedes gritar lo que quieras que nadie te va a escuchar, y menos si no sabes quién eres, cual es tu misión o qué son esas terroríficas ‘cosas’ que te acechan. La respuesta a esas preguntas (y más) las irá descubriendo el espectador de la mano de sus dos protagonistas, Dennis Quaid y Ben Foster, obligados estos a escudriñar un escenario que rememora el de Horizonte final de Paul W.S. Anderson (aquí productor) y en el que lo peor siempre está por llegar. Christian Alvart (Expediente 39) vuelve a demostrar sus excelentes dotes para el suspense con este desasosegante thriller espacial.

Comenterio: Un film de ciencia ficción que va de menos a más y que cuenta una historia bastante interesante y hasta cierto punto novedosa. Gran tratamiento del color para cada de escenario de este parcialmente explorado universo (su director tiene preparados guiones tanto de una precuela como de una secuela). Peca en su abuso de la oscuridad, y en sugerir demasiadas posibles subtramas, así como del trabajo actoral tan soso del reparto. Las claras referencias al claustrofóbico “Alien(1979)” son evidentes, pero no molestas. La crítica en general no ha respondido positivamente a dicha producción, otro cantar muy distinto son los espectadores. En su alargada duración de casi dos horas el film es demasiado irregular, además su caprichoso ritmo hace decrecer nuestro interés al vernos tan teledirigidos. De las dos vías argumentales que paralelamente se desarrollan, al menos la centrada en el personaje de Dennis Quaid resulta suprimible por ser un claro lastre para la acción. La película trata de hacernos llegar una reflexión sobre nuestro actual comportamiento como especie y las posibles consecuencias que esto nos deparara en el futuro. En resumen esta especie de adrenalítico “Residen evil (2002)” en el espacio es un film fallido, pero no despreciable o carente de interés. NOTA DEL PÚBLICO: 7/10




PARANORMAL ACTIVITY (2007 - USA) de Oren Peli

Sinopsis: Una joven pareja feliz de clase media es atormentada por un espíritu demoníaco. Micah y Katie son una pareja de jóvenes de vida normal. Ella es una estudiante próxima a graduarse de profesora, y él es un corredor de bolsa que trabaja desde su casa. Llevan tres años viviendo juntos en una casa que hasta ahora parecía que era todo normal, hasta que comienzan a aparecer fenómenos extraños paranormales...

Comentario: El film más pataleado del festival y con la nota del público más baja. Ciertamente su exceso de diálogo y sus repetitivas situaciones resultan aburridas. Con todo parece ser que en otros Festivales a funcionado mejor. Este film casero de bajísimo presupuesto -apenas 11.000 dólares- que consiguió casi 8 millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana en USA, superando los 84 millones hasta la fecha. Tras visionarla Steven Spielberg, su productora Dreamworks accedió a distribuirla. Es ya la película más rentable de la historia del cine. No se le puede negar cierta frescura a esta ópera prima, pero de muy escasa trascendencia. NOTA DEL PÚBLICO: 4,2/10

martes

▼ REVIEWS

La última orgía de la Gestapo

L'ultima orgia del III Reich IMDb




Año: 1977 (Italia)
Director: Cesare Canevari
Interpretes: Adriano Micantoni, Daniela Poggi, Maristella Greco, Fulvio Ricciardi, Antiniska Remour

Sinopsis: Cinco años después de acabada la II Guerra mundial, el que fuera comandante nazi Conrad von Starker se reúne con una de sus antiguas prisioneras, Lise Cohen, en el campo de concentración donde se conocieron, ahora desarticulado y deshabitado. Allí ella recordará todas las miserias, torturas y vejaciones que sufrió a manos de su amante.

Comentario: Al igual que Mario Pinzautti, Cesare Canevari no pasará a la historia por tener una amplia filmografía como realizador, ni por aportar importantes títulos, ni tampoco por dar a los distintos géneros que trató una personal y reconocible visión como hicieran Bava padre, Freda, Argento, Fulci, Sollima, Corbucci (Sergio, el caso de Bruno es otro cantar), etc... No, más al contrario fue Canevari, como Pinzautti, los que apuntándose a un filón de moda se limitaron a explotar éste adaptándose ellos a las normativas del género en cuestión, y haciendo hincapié en los antaño comerciales cánones del sexo y la violencia. Si por algo son recordados los dos es porque algunos de sus trabajos son destacadas muestras del más puro eurotrash.



De las nueve cintas que dirigiera Canevari, casi todas durante los 70, sus dos cintas más celebradas son “La princesa desnuda” (1976), film marciano al servicio de las curvas de la controvertida Ajita Wilson, y la que aquí nos ocupa. “La última orgía de la Gestapo” se enmarca dentro del (efímero) subgénero de la nazi-exploitation, y copia no sólo el hilo argumental de la precursora “Salón Kitty” (1975) de Tinto Brass, el recurrente tema de las prisioneras judías como prostitutas al servicio del régimen, sino también una de las escenas más reconocibles de la mencionada película de Brass, las chicas puestas enfrente de los soldados, todos desnudos, que acabará en una orgía de sexo y dolor entre esvásticas y marchas militares. Como también hiciera Bruno Mattei en su “KZ9 campo de exterminio” (1977), el realizador se permite incluir algún que otro chiste de mal gusto y no poca escatología.



Haciendo gala de ser un buen exploiter también toma préstamos de otra de las iniciadoras del subgénero, el reencuentro, años después de acabada la brutal guerra, de dos amantes tan imposibles como el que fuera oficial del nacional socialismo de Hitler y una de sus prisioneras hebreas, está extraído descaradamente del “Portero de noche” (1973) de Liliana Cavan, aunque aquí tendrá un desenlace (por no hablar del tratamiento) completamente opuesto. Ahora bien, si “La última orgía de la Gestapo” se convirtió en un título clave fue porque su director dio al público lo que esperaba y con creces. Si la nazi-exploitation, en sí un recrudecimiento de las WIP-movies, se caracterizaba por la abundancia de desnudos, sexo y violencia (torturas, vejaciones, mutilaciones, ejecuciones...), éste es uno de los títulos más fuertes que se vieron. Algunas perlas: la comandante bisexual Dagmar, una auténtica dominatriz (1), gusta de echar a sus furiosos perros chicas que tengan la regla para que las devoren. Otras, las prisioneras sumergidas en cal viva, el reconocimiento médico-higiénico inicial en el que desvirgan a una adolescente con el material médico, etc...


Aunque, hay que reconocerlo, la escena cumbre es la bacanal gastronómica en la que un oficial expone la utilidad de los judíos como mano de obra (esclavos, vamos) y una vez no sirvan ser reciclados en comida. Demostrándolo en la práctica sirviendo carne humana que los alemanes saborearan con frases como “Parece cerdo, es muy dulce”, “Es mejor que la ternera”, o “Carne sobre carne” (2) comiendo sobre una chica judía desmayada por tan grotesco espectáculo. Concluyendo tan macabra comilona con la incineración de una prisionera.



Pero entre tanto maníaco nazi, encontramos el personaje del doctor, que se horroriza y opone abiertamente a tales barbaries. Él salvará de la muerte a nuestra protagonista, y entre ellos surgirá una breve historia de amor. Interrumpida por la que nace entre la rubia reclusa (3) y el comandante Conrad (el veterano Adriano Micantroni en su último papel). Éste la hace amar la vida tras torturas de todo tipo, en un principio para darse el gusto de arrebatársela cuando quiera, “Has aprendido a amar la vida porque yo te he enseñado a conocer la muerte” le espeta. Pero entre ellos germina el amor, e incluso dan románticos paseos en barca. El asunto se tuerce cuando Lise queda en cinta y tiene un bebé del comandante, que éste le quita para matarlo, “Es un bastardo, es el hijo de una hebrea”... desde luego no se anda con chiquitas....


Una vez terminado el flashback comprendemos que el reencuentro no tiene el tono amoroso que cree el que fuera oficial de las SS. Tampoco fue por amor que la chica declarara a su favor en el juicio para una reducción de la condena. Cuando los antiguos amantes se vuelven a unir la joven acaba con la vida de ambos en un amargo y triste final. Pese a su incorrección formal (montaje abrupto, zooms interrumpidos...), a fusilar metraje de otros filmes de manera harto descarada, y lo grotesco del conjunto, se hace hoy más disfrutable incluso su visionado en una época en la que sería a todas luces imposible e impensable de ver estrenada en salas comerciales. Si bien aún no tenemos en el mercado español una edición en DVD de la misma, y la de vídeo que en los 80 sacara Videotechnics (con los créditos en inglés) lleve la tira de años desaparecida, probablemente puedas encontrar en mercadillos o tiendas de segunda mano la que pusiera en el mercado en VHS Divisa a finales de los 90, junto a otras dos joyitas de tan insigne subgénero, “Las deportadas de las SS” (1976) de Rino de Silvestro y “La bestia en calor” (1977) de Paolo Solvay. Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••



(1) Sus relaciones sexuales con el comandante nos revelan las perversiones de éste, que gusta de ser dominado y maltratado por aquella y que le introduzca analmente el mango de su fusta.


(2) Casualmente la misma frase que le decían a la neumática Isabel Sarli cuando la violaban en un camión con reses muertas en el film “Carne” (1968, aunque estrenada en salas españolas en 1990, haciéndose un hueco en las tempranas sesiones golfas) de, cómo no, Armando Bo.



(3) El papel de Lise recae en la carnosa Daniela Poggi, en su segunda intervención frente a las cámaras. La veríamos en algunas cintas sexys como “El último harén” (1981) de Sergio Garrone, o “La camionera está como un tren” (1982) de Flavio Mogherini, para, a partir de mediados de la década, dedicarse a la televisión.






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lunes

▼ REVIEWS

Cárcel de mujeres

Prigione di donne IMDb





Año: 1974 (Italia)
Director: Brunello Rondi
Interpretes: Martine Brochard, Marilù Tolo, Erna Schürer, Katia Christine, Cristina Galbó, Isabelle De Valvert, Aliza Adar.


Sinopsis: Durante su estancia en Roma, para estudiar las antiguas civilizaciones, Martine es apresada en una redada anti-droga. Uno de los hippies le mete en el bolsillo a la chica una bolsita con sustancias ilegales sin que ella lo vea, que servirá para su detención.



Comentario: Para los críticos y esos cinéfilos que siguen a pie juntilla lo que dicen las publicaciones cinematográficas con “pedigrí”, Brunello Rondi pasará a la historia del séptimo arte por su trabajo como guionista de Roberto Rossellini y Federico Fellini. No es para menos, a él le debemos el libreto de la soberbia “Francesco, juglar de Dios” (1950) para Rossellini, su primer guión, y con quien volvería a trabajar en “Europa 51” (1952) o “Era notte a Roma” (1960). Con Fellini colaboraría en alguna de sus inolvidables películas, caso de “La dolce vita” (1961), el capítulo de éste del film de episodios “Boccacio 70” (1962), “8 ½” (1963), o “Fellini Satyricon” (1969), por nombrar varias de las más importantes. No vamos a quitarle mérito, pero para los asiduos a esta página, la faceta como director de Rondi es igual de interesante, donde, acogiéndose a cintas de género como el terror o el erotismo, supo subvertir las directrices de éstos para conseguir no sólo un estilo propio, sino en ocasiones lograr alguna obra maestra.




En 1974, Rondi facturaba esta “Cárcel de mujeres”. Con un título conciso, directo y preciso se adentraba en un subgénero tan codificado como el carcelario femenino (1), muy de moda en aquellos años, y consiguiendo, una vez más, hacer oír su voz. Apropiándose de las reglas para decirnos algo en lugar de ceñirse a ellas. Si en la magistral “El demonio” (1963), su segundo film como realizador, Rondi nos narraba la historia de una chica supuestamente poseída por el diablo, para mostrarnos a ésta como una víctima de la sociedad arcaica del sur de Italia, en el marco de un pueblo anclado y marcado por el fanatismo y la superstición, que mezclan catolicismo y paganismo pre-cristiano, que rezan a Dios y creen en las brujas como emisarias del maligno, acusan ciegamente a la desdichada Purí (la israelí Daliah Lavi) como la responsable de todas sus desdichas. Siendo la joven, como decíamos, una víctima de una sociedad ciega que no la comprende (las mismas creencias hacen que la muchacha se sienta culpable y se crea una bruja enviada por el diablo). En “Cárcel de mujeres” igualmente la chica protagonista, Martine Frescane (la Brochard) padece las injusticias de un sistema que falla, dando con sus huesos en la cárcel por un error de la policía, por estar en el lugar inadecuado cuando no debía. Al contrario que Purí (víctima del fanatismo hasta sus últimas consecuencias), Martine saldrá libre al final, pero durante su estancia en prisión padecerá los abusos del sistema y será testigo de lo que ocurre allí dentro.


El film abre con un plano general de la prisión, como si nosotros entráramos en ella a la vez que la protagonista, y en flashback se nos narra qué la ha llevado dentro de estos muros. Poco después, Martine conoce a sus compañeras de celda, la prostituta Susana (la exuberante Marilù Tolo), que ve en todo una cuestión de clases; la joven Gracia (la guapísima Katia Christine), encerrada por sus ideas políticas y a la que todos odian porque no han podido acostarse con ella (monjas, guardianes/as, el médico...); y Giana (nuestra adorada Erna Schürer), que practicaba abortos clandestinos, y la que más tiene los pies en la tierra de las tres. La cárcel está regida por religiosas (2), lo que permite a Rondi atacar a las instituciones católicas de forma severa, sirviéndose en diversas ocasiones del carácter deslenguado de Susana, que se ríe constantemente de la madre superiora.



El realizador utiliza todos los clichés propios de las WIP-movies, pero en lugar de regodearse como en una exploit (3), los usa con carácter de denuncia: La habitual revisión médica aparece como una degradación de la interna, que viola sus derechos nada más entrar en prisión. La escena de ducha colectiva, amén de su tono liberador para las reclusas, revela un deseo sexual reprimido por parte de la joven novicia que las vigila. Las torturas vienen para sancionar el carácter rebelde e indomable de Gloria, castigada exageradamente por el mero hecho de fumar durante la misa del rosario, un acto religioso que no comparte y le aburre. La pelea entre las presas en el comedor, que además sirve de burla contra la antipática madre superiora (nuevamente por parte de Susana), con ratón en la sopa incluido (4). El inevitable motín viene cargado de tintes sociales, religiosos y políticos; al no haber querido las monjas hacerle un raspado a una interna tras sufrir un aborto (que es pecado) ésta muere produciendo el levantamiento de todas sus compañeras, tomando las instalaciones por asalto y llegando a quemar los archivos, llenos de datos falseados. El fuego como elemento purificador. La sublevación termina cuando las fuerzas policiales irrumpen con violencia. Gloria, después de saborear esos momentos de libertad, prefiere suicidarse a volver a su celda, arrojándose desde un balcón. Enfrente, la televisión no pierde detalle de los momentos más escabrosos.



El mar, que había aparecido como símbolo de libertad, algo que todas las presas deseaban ver, y para lo que tenían que estar fuera, se convierte en todo lo contrario en la última parte del film. Cuando, tras el motín, las protagonistas son enviadas a una isla prisión donde el mar y su continuo vaivén llegan a ser un infierno insufrible. Del que escaparán dejándose llevar por sus instintos en una orgía que constituye la única escena lésbica de la película (probablemente el mayor cliché de las WIP), dándole nuevamente al sexo un matiz liberador. Martine, que se nos presenta desde el principio como una mucha bien de carácter débil (incapaz de defenderse cuando la visita el procurador ni cuando van a verla sus padres) se irá endureciendo ante el panorama y los acontecimientos que la rodean. Nada más sale de su feliz mundo y se da de bruces con la cruel realidad. Finalmente es puesta en libertad (la única que veremos que lo consigue), pero claro, ella tiene unos padres de dinero, con buenas relaciones y que contratan los servicios del mejor abogado. Rondi vuelve a darle la razón a Susana.



El film está lleno de momentos memorables, destaquemos un par de ellos protagonizados nuevamente por Susana. En la primera institución, llena de rabia, se desahoga con los guardias, provoca sexualmente a uno de éstos para después reírse de él delante de todos. Luego, en la isla, mata cruelmente al perro del director porque éste lo trata mucho mejor que a ellas. La edición videográfica corrió a cargo de EV (Española de Vídeo), y la pasaron en los primeros tiempos de Telecinco en su mítico Erotísimo... qué tiempos.... Alfonso & Miguel Romero



Psychometro: •••



(1) Las películas de mujeres en prisión, o WIP-movies, se remontan a las primeras décadas del siglo XX, concretamente se considera la pionera a “The Godless girl” (1929) de Cecil B. de Mille. Y en las siguientes décadas se sucederían una legión de títulos que oscilaban entre la serie B y las producciones de mayor presupuesto. Del “Girls in chains” (1943) del genial Edgar G. Ulmer, en su etapa para la PRC, a la premiadísima por la academia “Sin remisión” (1950) de John Cromwell. Poco a poco el subgénero se iba haciendo algo más osado. En 1969 Jesús Franco dirige, para Harry Alan Towers, “99 mujeres”, un rotundo éxito en los USA que se vio terriblemente censurado en su estreno español. Pero el auténtico boom del mismo se daría con la producción de la AIP “Big doll house” (1971) de Jack Hill, rodada en Filipinas con Pam Grier entre sus protagonistas, quedando el subgénero totalmente codificado y provocando una onda expansiva de productos similares a lo largo de toda la década en medio mundo. No sólo los USA van a llenar el mercado de cintas de féminas encarceladas, también Asia, Latinoamérica o Europa traerán una oleada de películas del mismo tipo. Los que estas líneas suscriben se quedan con tres países principalmente, Italia, Japón y Brasil, pues sin renegar de las más puras bazas de la exploitation (léase violencia y sexo) añadieron elementos propios: Italia aporta crudeza, lucha de clases, política, retrato social, etc... Japón las mezclará con las yakuza-eiga; y Brasil incide en el racismo, la miseria del lumpen, las fabelas, el destino marcado por la tragedia, etc... En los carcelarios femeninos de otros países latinos como México o Argentina prevalecerá el melodrama sobre el mero exploit. Los 80, la década por excelencia del post-modernismo y la frivolidad, mirarán a las WIP-movies, al menos en los USA, con ojo paródico y violencia hiperbolizada, donde se meterían por medio incluso los inefables Menahem Golan y su primo Yoram Globus en los tiempos de la Cannon. Tom DeSimone homenajeaba/parodiaba al subgénero en la irresistible “Motín en el reformatorio de mujeres” (1985), con Sybil Danning y la llorada Wendy O. Williams, y distribuida en estas tierras por José Frade. Para los 90 lo que queda de éstas se verá relegado al mercado del vídeo y los canales por cable. Quizá quepan destacar por su insistencia al psicotrónico Lloyd A. Simandl con sus rodajes en la Europa del este, y a Henri Charr, de quien “Misión entre rejas” (1995) no es sino un remake inconfeso de “Diario secreto de una cárcel femenina” (1974) de Rino De Silvestro.


(2) Ese mismo año se estrenaba la muy particular “Deslizamientos progresivos del placer” de Alain Robbe-Grillet, también ambientada en una cárcel femenina dirigida por monjas.


(3) En las antípodas de Rondi tenemos a Sergio Garrone, que usó y abusó de todos los clichés del subgénero en las distintas cintas que dirigió sobre el tema, las, por otro lado muy disfrutables, “Infierno entre rejas” y “Mujeres de presidio”, ambas de 1984 y con Ajita Wilson.


(4) En la brasileña “Bare behid bars”/”A prisao” (1980), de Osvaldo de Oliveira, una de las reclusas arroja una rata (viva) en la cacerola de la comida.







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