Psychotronic Kult Video.tk

XX Semana de Terror de San Sebastián 2009 (Día 1 y 2)

2009-11-09T16:29:00.042+01:00

Crónica: Día 1 y 2 por José Luis Alonso

CARTEL

COLAS

PRESENTACIÓN

CELEBRACIÓN

HOMENAJE

EXPOSICIÓN

PREMIO

----- DÍA 1º -----

VERTIGE (2009 - Francia) de Abel Ferry

Sinopsis: Un grupo de jóvenes aficionados a los deportes de aventura que deciden aprovechar sus vacaciones para ir a la montaña a seguir una via ferrata (vía de alpinismo marcada). Cuando parece que el mayor peligro al que se deben enfrentar es la dureza de la escalada, el riesgo de moverse a centenares de metros de altura, la adrenalina de la aventura... descubren con asombro que no están solos allá en las cumbres.

Comentario: Película inspirada en parte en otro film sobre cacería humana como es "Deliverance (1972)" de John Boorman. Un film con una lograda, prometedora y espectacular primera parte que lamentablemente termina decepcionando en su prolongación, por transitar por terrenos poco novedosos y más que predecibles incluso en sus artificiales giros finales. Con todo no perdemos la esperanza de que su director logre en futuros trabajos superar la irregularidad del presente trabajo. "Vertige" atesora la suficiente calidad como para justificar ser el film de inauguración del Festival. NOTA DEL PÚBLICO: 6,1/10

INFESTATION (2009 - USA) de Kyle Rankin

Sinopsis: Cooper se despierta desorientado en su oficina, se siente débil, tiene náuseas, y está rodeado de una especie de telaraña. El mundo ha sido tomado por una especie de insectos gigantes de otro mundo. Cooper se une a un grupo de supervivientes -Entre los que se encuentra la atractiva Sarah- para hacer frente a los monstruos. Aunque la situación es desesperada, nuestro héroe no puede dejar de dedicarse a su nuevo problema sentimental mientras lucha por salvar la vida. Una raza de insectos gigantes parece haber conquistado la Tierra, mientras los escasos supervivientes humanos tratan de sobrevivir enfrentándose a ellos.

Comentario: Divertida y trepidante ópera prima de su director, Kyle Rankin. El film es una Serie B a medio camino entre "Arack attack" y "Zombies Party" que contiene 270 planos con efectos especiales. Solo ha sido vista en Festivales ya que se acabada de editar directamente en DVD. Lo cual es entendible pues su tratamiento es casi infantil y su humor aunque disfrutable resulta demasiado grueso. A duras penas su calidad cinematográfica puede justificar su presencia en la Sección Oficial del Festival, justificación que si encontramos en su capacidad de entretener dignamente a todo tipo de públicos. NOTA DEL PÚBLICO: 5,3/10

VAMPIRE GIRL vs. FRANKENSTEIN GIRL (2009 - Japón) de Yoshihiro Nishimura, Naoyuki Tomomatsu

Sinopsis: Una lucha a muerte entre una muchacha Frankenstein (cuando estaba viva pertenecía a la gloriosa tribu japo de las lolitas góticas) y una chica vampiro que regala a sus enamorados bomboncitos de San Valentín rellenos del licor de su sangre, muchacha apoyada por la división ganguro del colegio (chicas amarillas que sueñan con ser negras y se tuestan para lograrlo).

Comentario: Salida de madre de escasa gracia y disparatadas pretensiones que roza en todo momento lo esperpéntico. No justifica su presencia en el Festival ni programándola a las 2:00 de la mañana. Irradia mal gusto y resulta totalmente infantil en sus planteamientos y logros. Desquiciada puesta en escena a juego con unos chillones decorados. Solo los fx y alguna coreografía pueden salvarse de la quema de este film tan esteticista y prescindible. NOTA DEL PÚBLICO: 4,9/10

----- DÍA 2º -----

NÚMERO 9 (2009 - USA) de Shane Acker

Sinopsis: Aventura post-apocalíptica protagonizada por nueve muñecos de trapo que deberán enfrentarse a unas máquinas gigantes si quieren preservar el futuro de la civilización. La historia transcurre en un futuro muy próximo. El invento conocido como la Gran Máquina activa y aporta energía a las máquinas que se han alzado contra la raza humana, diezmando a la población, antes de empezar a apagarse. El mundo pronto quedará destruido, pero un grupo de pequeños seres intenta salvar lo poco que queda de la civilización. Está compuesto por nueve criaturas a las que un científico infundió vida poco antes de la catástrofe. Entre el grupo, Número 9 (voz de Elijah Wood) demuestra tener madera de líder y cualidades que quizá les ayuden a sobrevivir e incluso a prosperar. Los demás miembros del grupo son Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la fecha; Número 2 (Martin Landau), un generoso y ahora frágil inventor; Número 3 y Número 4, gemelos de una gran erudición que se comunican sin palabras y sobre todo entre sí; Número 5 (John C. Reilly), un inquebrantable ingeniero; Número 6 (Crispin Glover), un artista errático atormentado por las visiones; Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente, y Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y no muy listo guardaespaldas de Número 1.Con un grupo tan reducido, estas creaciones "stitchpunk" ("residuopunk", derivado de la corriente "steampunk") deben hacer acopio de una fuerza desproporcionada a su tamaño para engañar y luchar contra las máquinas que aún funcionan, una de las cuales es una bestia mecanizada. En las tinieblas que preceden al amanecer, Número 9 debe reagrupar y animar a los suyos para hacer frente común al peligro inminente...

Comentario: Acker ha desarrollado este largometraje a partir de un corto suyo de idéntico título que recibió una nominación al Oscar en 2006. Producido por Tim Burton y Timur Bekmambetov. Sin duda uno de los tres mejores films que ha pasado este año por la Semana de Terror. De gran creatividad y suficiente entidad propia como para desmarcarse dentro del mundo de la animación. Gustará a todos los públicos gracias a su dramatización más bien adulta. Lastima que un guión con algunas situaciones demasiado forzadas le reste veracidad. Con todo estamos ante un pequeño clásico y la ópera prima de su autor, al cual de ahora en adelante seguiremos con interes. NOTA DEL PÚBLICO: 7,7/10

PANDORUM (2009 - USA, Alemania) Christian Alvart

Sinopsis: A ochocientos millones de kilómetros de la Tierra, en una inmensa nave espacial a la deriva, ya puedes gritar lo que quieras que nadie te va a escuchar, y menos si no sabes quién eres, cual es tu misión o qué son esas terroríficas ‘cosas’ que te acechan. La respuesta a esas preguntas (y más) las irá descubriendo el espectador de la mano de sus dos protagonistas, Dennis Quaid y Ben Foster, obligados estos a escudriñar un escenario que rememora el de Horizonte final de Paul W.S. Anderson (aquí productor) y en el que lo peor siempre está por llegar. Christian Alvart (Expediente 39) vuelve a demostrar sus excelentes dotes para el suspense con este desasosegante thriller espacial.

Comenterio: Un film de ciencia ficción que va de menos a más y que cuenta una historia bastante interesante y hasta cierto punto novedosa. Gran tratamiento del color para cada de escenario de este parcialmente explorado universo (su director tiene preparados guiones tanto de una precuela como de una secuela). Peca en su abuso de la oscuridad, y en sugerir demasiadas posibles subtramas, así como del trabajo actoral tan soso del reparto. Las claras referencias al claustrofóbico “Alien(1979)” son evidentes, pero no molestas. La crítica en general no ha respondido positivamente a dicha producción, otro cantar muy distinto son los espectadores. En su alargada duración de casi dos horas el film es demasiado irregular, además su caprichoso ritmo hace decrecer nuestro interés al vernos tan teledirigidos. De las dos vías argumentales que paralelamente se desarrollan, al menos la centrada en el personaje de Dennis Quaid resulta suprimible por ser un claro lastre para la acción. La película trata de hacernos llegar una reflexión sobre nuestro actual comportamiento como especie y las posibles consecuencias que esto nos deparara en el futuro. En resumen esta especie de adrenalítico “Residen evil (2002)” en el espacio es un film fallido, pero no despreciable o carente de interés. NOTA DEL PÚBLICO: 7/10

PARANORMAL ACTIVITY (2007 - USA) de Oren Peli

Sinopsis: Una joven pareja feliz de clase media es atormentada por un espíritu demoníaco. Micah y Katie son una pareja de jóvenes de vida normal. Ella es una estudiante próxima a graduarse de profesora, y él es un corredor de bolsa que trabaja desde su casa. Llevan tres años viviendo juntos en una casa que hasta ahora parecía que era todo normal, hasta que comienzan a aparecer fenómenos extraños paranormales...

Comentario: El film más pataleado del festival y con la nota del público más baja. Ciertamente su exceso de diálogo y sus repetitivas situaciones resultan aburridas. Con todo parece ser que en otros Festivales a funcionado mejor. Este film casero de bajísimo presupuesto -apenas 11.000 dólares- que consiguió casi 8 millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana en USA, superando los 84 millones hasta la fecha. Tras visionarla Steven Spielberg, su productora Dreamworks accedió a distribuirla. Es ya la película más rentable de la historia del cine. No se le puede negar cierta frescura a esta ópera prima, pero de muy escasa trascendencia. NOTA DEL PÚBLICO: 4,2/10

La última orgía de la Gestapo

2009-11-03T23:25:00.004+01:00

L'ultima orgia del III Reich IMDb

Año: 1977 (Italia)
Director: Cesare Canevari
Interpretes: Adriano Micantoni, Daniela Poggi, Maristella Greco, Fulvio Ricciardi, Antiniska Remour

Sinopsis: Cinco años después de acabada la II Guerra mundial, el que fuera comandante nazi Conrad von Starker se reúne con una de sus antiguas prisioneras, Lise Cohen, en el campo de concentración donde se conocieron, ahora desarticulado y deshabitado. Allí ella recordará todas las miserias, torturas y vejaciones que sufrió a manos de su amante.

Comentario: Al igual que Mario Pinzautti, Cesare Canevari no pasará a la historia por tener una amplia filmografía como realizador, ni por aportar importantes títulos, ni tampoco por dar a los distintos géneros que trató una personal y reconocible visión como hicieran Bava padre, Freda, Argento, Fulci, Sollima, Corbucci (Sergio, el caso de Bruno es otro cantar), etc... No, más al contrario fue Canevari, como Pinzautti, los que apuntándose a un filón de moda se limitaron a explotar éste adaptándose ellos a las normativas del género en cuestión, y haciendo hincapié en los antaño comerciales cánones del sexo y la violencia. Si por algo son recordados los dos es porque algunos de sus trabajos son destacadas muestras del más puro eurotrash.

De las nueve cintas que dirigiera Canevari, casi todas durante los 70, sus dos cintas más celebradas son “La princesa desnuda” (1976), film marciano al servicio de las curvas de la controvertida Ajita Wilson, y la que aquí nos ocupa. “La última orgía de la Gestapo” se enmarca dentro del (efímero) subgénero de la nazi-exploitation, y copia no sólo el hilo argumental de la precursora “Salón Kitty” (1975) de Tinto Brass, el recurrente tema de las prisioneras judías como prostitutas al servicio del régimen, sino también una de las escenas más reconocibles de la mencionada película de Brass, las chicas puestas enfrente de los soldados, todos desnudos, que acabará en una orgía de sexo y dolor entre esvásticas y marchas militares. Como también hiciera Bruno Mattei en su “KZ9 campo de exterminio” (1977), el realizador se permite incluir algún que otro chiste de mal gusto y no poca escatología.

Haciendo gala de ser un buen exploiter también toma préstamos de otra de las iniciadoras del subgénero, el reencuentro, años después de acabada la brutal guerra, de dos amantes tan imposibles como el que fuera oficial del nacional socialismo de Hitler y una de sus prisioneras hebreas, está extraído descaradamente del “Portero de noche” (1973) de Liliana Cavan, aunque aquí tendrá un desenlace (por no hablar del tratamiento) completamente opuesto. Ahora bien, si “La última orgía de la Gestapo” se convirtió en un título clave fue porque su director dio al público lo que esperaba y con creces. Si la nazi-exploitation, en sí un recrudecimiento de las WIP-movies, se caracterizaba por la abundancia de desnudos, sexo y violencia (torturas, vejaciones, mutilaciones, ejecuciones...), éste es uno de los títulos más fuertes que se vieron. Algunas perlas: la comandante bisexual Dagmar, una auténtica dominatriz (1), gusta de echar a sus furiosos perros chicas que tengan la regla para que las devoren. Otras, las prisioneras sumergidas en cal viva, el reconocimiento médico-higiénico inicial en el que desvirgan a una adolescente con el material médico, etc...

Aunque, hay que reconocerlo, la escena cumbre es la bacanal gastronómica en la que un oficial expone la utilidad de los judíos como mano de obra (esclavos, vamos) y una vez no sirvan ser reciclados en comida. Demostrándolo en la práctica sirviendo carne humana que los alemanes saborearan con frases como “Parece cerdo, es muy dulce”, “Es mejor que la ternera”, o “Carne sobre carne” (2) comiendo sobre una chica judía desmayada por tan grotesco espectáculo. Concluyendo tan macabra comilona con la incineración de una prisionera.

Pero entre tanto maníaco nazi, encontramos el personaje del doctor, que se horroriza y opone abiertamente a tales barbaries. Él salvará de la muerte a nuestra protagonista, y entre ellos surgirá una breve historia de amor. Interrumpida por la que nace entre la rubia reclusa (3) y el comandante Conrad (el veterano Adriano Micantroni en su último papel). Éste la hace amar la vida tras torturas de todo tipo, en un principio para darse el gusto de arrebatársela cuando quiera, “Has aprendido a amar la vida porque yo te he enseñado a conocer la muerte” le espeta. Pero entre ellos germina el amor, e incluso dan románticos paseos en barca. El asunto se tuerce cuando Lise queda en cinta y tiene un bebé del comandante, que éste le quita para matarlo, “Es un bastardo, es el hijo de una hebrea”... desde luego no se anda con chiquitas....

Una vez terminado el flashback comprendemos que el reencuentro no tiene el tono amoroso que cree el que fuera oficial de las SS. Tampoco fue por amor que la chica declarara a su favor en el juicio para una reducción de la condena. Cuando los antiguos amantes se vuelven a unir la joven acaba con la vida de ambos en un amargo y triste final. Pese a su incorrección formal (montaje abrupto, zooms interrumpidos...), a fusilar metraje de otros filmes de manera harto descarada, y lo grotesco del conjunto, se hace hoy más disfrutable incluso su visionado en una época en la que sería a todas luces imposible e impensable de ver estrenada en salas comerciales. Si bien aún no tenemos en el mercado español una edición en DVD de la misma, y la de vídeo que en los 80 sacara Videotechnics (con los créditos en inglés) lleve la tira de años desaparecida, probablemente puedas encontrar en mercadillos o tiendas de segunda mano la que pusiera en el mercado en VHS Divisa a finales de los 90, junto a otras dos joyitas de tan insigne subgénero, “Las deportadas de las SS” (1976) de Rino de Silvestro y “La bestia en calor” (1977) de Paolo Solvay. Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Sus relaciones sexuales con el comandante nos revelan las perversiones de éste, que gusta de ser dominado y maltratado por aquella y que le introduzca analmente el mango de su fusta.

(2) Casualmente la misma frase que le decían a la neumática Isabel Sarli cuando la violaban en un camión con reses muertas en el film “Carne” (1968, aunque estrenada en salas españolas en 1990, haciéndose un hueco en las tempranas sesiones golfas) de, cómo no, Armando Bo.

(3) El papel de Lise recae en la carnosa Daniela Poggi, en su segunda intervención frente a las cámaras. La veríamos en algunas cintas sexys como “El último harén” (1981) de Sergio Garrone, o “La camionera está como un tren” (1982) de Flavio Mogherini, para, a partir de mediados de la década, dedicarse a la televisión.

Cárcel de mujeres

2009-10-26T23:36:00.001+01:00

Prigione di donne IMDb

Año: 1974 (Italia)
Director: Brunello Rondi
Interpretes: Martine Brochard, Marilù Tolo, Erna Schürer, Katia Christine, Cristina Galbó, Isabelle De Valvert, Aliza Adar.

Sinopsis: Durante su estancia en Roma, para estudiar las antiguas civilizaciones, Martine es apresada en una redada anti-droga. Uno de los hippies le mete en el bolsillo a la chica una bolsita con sustancias ilegales sin que ella lo vea, que servirá para su detención.

Comentario: Para los críticos y esos cinéfilos que siguen a pie juntilla lo que dicen las publicaciones cinematográficas con “pedigrí”, Brunello Rondi pasará a la historia del séptimo arte por su trabajo como guionista de Roberto Rossellini y Federico Fellini. No es para menos, a él le debemos el libreto de la soberbia “Francesco, juglar de Dios” (1950) para Rossellini, su primer guión, y con quien volvería a trabajar en “Europa 51” (1952) o “Era notte a Roma” (1960). Con Fellini colaboraría en alguna de sus inolvidables películas, caso de “La dolce vita” (1961), el capítulo de éste del film de episodios “Boccacio 70” (1962), “8 ½” (1963), o “Fellini Satyricon” (1969), por nombrar varias de las más importantes. No vamos a quitarle mérito, pero para los asiduos a esta página, la faceta como director de Rondi es igual de interesante, donde, acogiéndose a cintas de género como el terror o el erotismo, supo subvertir las directrices de éstos para conseguir no sólo un estilo propio, sino en ocasiones lograr alguna obra maestra.

En 1974, Rondi facturaba esta “Cárcel de mujeres”. Con un título conciso, directo y preciso se adentraba en un subgénero tan codificado como el carcelario femenino (1), muy de moda en aquellos años, y consiguiendo, una vez más, hacer oír su voz. Apropiándose de las reglas para decirnos algo en lugar de ceñirse a ellas. Si en la magistral “El demonio” (1963), su segundo film como realizador, Rondi nos narraba la historia de una chica supuestamente poseída por el diablo, para mostrarnos a ésta como una víctima de la sociedad arcaica del sur de Italia, en el marco de un pueblo anclado y marcado por el fanatismo y la superstición, que mezclan catolicismo y paganismo pre-cristiano, que rezan a Dios y creen en las brujas como emisarias del maligno, acusan ciegamente a la desdichada Purí (la israelí Daliah Lavi) como la responsable de todas sus desdichas. Siendo la joven, como decíamos, una víctima de una sociedad ciega que no la comprende (las mismas creencias hacen que la muchacha se sienta culpable y se crea una bruja enviada por el diablo). En “Cárcel de mujeres” igualmente la chica protagonista, Martine Frescane (la Brochard) padece las injusticias de un sistema que falla, dando con sus huesos en la cárcel por un error de la policía, por estar en el lugar inadecuado cuando no debía. Al contrario que Purí (víctima del fanatismo hasta sus últimas consecuencias), Martine saldrá libre al final, pero durante su estancia en prisión padecerá los abusos del sistema y será testigo de lo que ocurre allí dentro.

El film abre con un plano general de la prisión, como si nosotros entráramos en ella a la vez que la protagonista, y en flashback se nos narra qué la ha llevado dentro de estos muros. Poco después, Martine conoce a sus compañeras de celda, la prostituta Susana (la exuberante Marilù Tolo), que ve en todo una cuestión de clases; la joven Gracia (la guapísima Katia Christine), encerrada por sus ideas políticas y a la que todos odian porque no han podido acostarse con ella (monjas, guardianes/as, el médico...); y Giana (nuestra adorada Erna Schürer), que practicaba abortos clandestinos, y la que más tiene los pies en la tierra de las tres. La cárcel está regida por religiosas (2), lo que permite a Rondi atacar a las instituciones católicas de forma severa, sirviéndose en diversas ocasiones del carácter deslenguado de Susana, que se ríe constantemente de la madre superiora.

El realizador utiliza todos los clichés propios de las WIP-movies, pero en lugar de regodearse como en una exploit (3), los usa con carácter de denuncia: La habitual revisión médica aparece como una degradación de la interna, que viola sus derechos nada más entrar en prisión. La escena de ducha colectiva, amén de su tono liberador para las reclusas, revela un deseo sexual reprimido por parte de la joven novicia que las vigila. Las torturas vienen para sancionar el carácter rebelde e indomable de Gloria, castigada exageradamente por el mero hecho de fumar durante la misa del rosario, un acto religioso que no comparte y le aburre. La pelea entre las presas en el comedor, que además sirve de burla contra la antipática madre superiora (nuevamente por parte de Susana), con ratón en la sopa incluido (4). El inevitable motín viene cargado de tintes sociales, religiosos y políticos; al no haber querido las monjas hacerle un raspado a una interna tras sufrir un aborto (que es pecado) ésta muere produciendo el levantamiento de todas sus compañeras, tomando las instalaciones por asalto y llegando a quemar los archivos, llenos de datos falseados. El fuego como elemento purificador. La sublevación termina cuando las fuerzas policiales irrumpen con violencia. Gloria, después de saborear esos momentos de libertad, prefiere suicidarse a volver a su celda, arrojándose desde un balcón. Enfrente, la televisión no pierde detalle de los momentos más escabrosos.

El mar, que había aparecido como símbolo de libertad, algo que todas las presas deseaban ver, y para lo que tenían que estar fuera, se convierte en todo lo contrario en la última parte del film. Cuando, tras el motín, las protagonistas son enviadas a una isla prisión donde el mar y su continuo vaivén llegan a ser un infierno insufrible. Del que escaparán dejándose llevar por sus instintos en una orgía que constituye la única escena lésbica de la película (probablemente el mayor cliché de las WIP), dándole nuevamente al sexo un matiz liberador. Martine, que se nos presenta desde el principio como una mucha bien de carácter débil (incapaz de defenderse cuando la visita el procurador ni cuando van a verla sus padres) se irá endureciendo ante el panorama y los acontecimientos que la rodean. Nada más sale de su feliz mundo y se da de bruces con la cruel realidad. Finalmente es puesta en libertad (la única que veremos que lo consigue), pero claro, ella tiene unos padres de dinero, con buenas relaciones y que contratan los servicios del mejor abogado. Rondi vuelve a darle la razón a Susana.

El film está lleno de momentos memorables, destaquemos un par de ellos protagonizados nuevamente por Susana. En la primera institución, llena de rabia, se desahoga con los guardias, provoca sexualmente a uno de éstos para después reírse de él delante de todos. Luego, en la isla, mata cruelmente al perro del director porque éste lo trata mucho mejor que a ellas. La edición videográfica corrió a cargo de EV (Española de Vídeo), y la pasaron en los primeros tiempos de Telecinco en su mítico Erotísimo... qué tiempos.... Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Las películas de mujeres en prisión, o WIP-movies, se remontan a las primeras décadas del siglo XX, concretamente se considera la pionera a “The Godless girl” (1929) de Cecil B. de Mille. Y en las siguientes décadas se sucederían una legión de títulos que oscilaban entre la serie B y las producciones de mayor presupuesto. Del “Girls in chains” (1943) del genial Edgar G. Ulmer, en su etapa para la PRC, a la premiadísima por la academia “Sin remisión” (1950) de John Cromwell. Poco a poco el subgénero se iba haciendo algo más osado. En 1969 Jesús Franco dirige, para Harry Alan Towers, “99 mujeres”, un rotundo éxito en los USA que se vio terriblemente censurado en su estreno español. Pero el auténtico boom del mismo se daría con la producción de la AIP “Big doll house” (1971) de Jack Hill, rodada en Filipinas con Pam Grier entre sus protagonistas, quedando el subgénero totalmente codificado y provocando una onda expansiva de productos similares a lo largo de toda la década en medio mundo. No sólo los USA van a llenar el mercado de cintas de féminas encarceladas, también Asia, Latinoamérica o Europa traerán una oleada de películas del mismo tipo. Los que estas líneas suscriben se quedan con tres países principalmente, Italia, Japón y Brasil, pues sin renegar de las más puras bazas de la exploitation (léase violencia y sexo) añadieron elementos propios: Italia aporta crudeza, lucha de clases, política, retrato social, etc... Japón las mezclará con las yakuza-eiga; y Brasil incide en el racismo, la miseria del lumpen, las fabelas, el destino marcado por la tragedia, etc... En los carcelarios femeninos de otros países latinos como México o Argentina prevalecerá el melodrama sobre el mero exploit. Los 80, la década por excelencia del post-modernismo y la frivolidad, mirarán a las WIP-movies, al menos en los USA, con ojo paródico y violencia hiperbolizada, donde se meterían por medio incluso los inefables Menahem Golan y su primo Yoram Globus en los tiempos de la Cannon. Tom DeSimone homenajeaba/parodiaba al subgénero en la irresistible “Motín en el reformatorio de mujeres” (1985), con Sybil Danning y la llorada Wendy O. Williams, y distribuida en estas tierras por José Frade. Para los 90 lo que queda de éstas se verá relegado al mercado del vídeo y los canales por cable. Quizá quepan destacar por su insistencia al psicotrónico Lloyd A. Simandl con sus rodajes en la Europa del este, y a Henri Charr, de quien “Misión entre rejas” (1995) no es sino un remake inconfeso de “Diario secreto de una cárcel femenina” (1974) de Rino De Silvestro.

(2) Ese mismo año se estrenaba la muy particular “Deslizamientos progresivos del placer” de Alain Robbe-Grillet, también ambientada en una cárcel femenina dirigida por monjas.

(3) En las antípodas de Rondi tenemos a Sergio Garrone, que usó y abusó de todos los clichés del subgénero en las distintas cintas que dirigió sobre el tema, las, por otro lado muy disfrutables, “Infierno entre rejas” y “Mujeres de presidio”, ambas de 1984 y con Ajita Wilson.

(4) En la brasileña “Bare behid bars”/”A prisao” (1980), de Osvaldo de Oliveira, una de las reclusas arroja una rata (viva) en la cacerola de la comida.

NUEVO FORO EN "EXHUMEDMOVIES"

2009-10-24T17:02:00.001+02:00

Bienvenid@ a exhumedmovies, tú sitio para intercambiar y charlar sobre cine descatalogado,terror, rarezas, Cine Italiano, Spaghetti-western, Hardcore,etc.

Welcome to exhumedmovies, your site for exchange material and talks about Rare cinema, horror movies, Italian Cinema, Spaghetti-Western, Hardcore Films.

www.exhumedmovies.com

UNETE A NOSOTROS Y COMPARTE TUS EDICIONES DE VIDEO

Grandes cazadores

2009-10-19T16:04:00.039+02:00

Grandi cacciatori IMDb

Año: 1988 (Italia)
Director: Augusto Caminito
Interpretes: Klaus Kinski, Harvey Keytel, Deborah Caprioglio, Yorgo Voyagis, Thomas Attguargarvak.

Sinopsis: Klaus Naginsky trabaja en África atrapando animales para los zoológicos. Vive atormentado y obsesionado con matar a Ngale, una pantera negra que acabó con la vida de su amada, Deborah. Un zoo de Europa le ofrece capturar a aquella para ellos, pero Klaus se niega. Cuando los europeos la capturan por su cuenta, el cazador les ataca destrozándoles el coche y dejando a uno de ellos malherido, liberando después al felino. Sigue siendo un asunto personal. Aquél es encarcelado y allí su socio le ofrece pagar la fianza a cambio de una caza muy especial. Deberá viajar más allá del círculo polar ártico y acabar con el cazador de focas que asesinó a su joven amigo Alfred.

Comentario: Como dice la gente de Playboy, en los 80 fue como si volviéramos 30 años atrás, como si todos los avances respecto al sexo retrocedieran hasta los 50. Y es que la era Reagan supuso eso y mucho más, afectando retrógradamente a muchos campos. Además, un capitalismo brutal como no se había visto nunca antes recorrió los USA y, por extensión, medio planeta. A la vez, y sin contrariarlo, la gente empezaba a tomar conciencia de temas como el culto al cuerpo (hicieron furor como nunca el aeróbic, la musculación, el culturismo...) o la ecología. El cine, espejo (a veces deformante) de la sociedad, se hizo eco de estas cuestiones y muchas otras. La ecología, la que aquí viene al caso, saltó al cine en grandes producciones de estudio como “La selva esmeralda” (1985) de John Boorman, protagonizada por Powers Boothe y Meg Foster. Y otras más modestas donde cabe reseñar “En busca del águila” (1983) del psychotrónico Philippe Mora, con Rutger Hauer, Kathleen Turner y, casualmente, Powers Boothe entre los principales intérpretes. También podríamos citar, de forma anecdótica, a la Troma. Lloyd Kaufman siempre alardea de los positivos mensajes ecologistas de sus producciones, aunque bueno, nada de sus películas ni de lo que él diga puede ser tomado demasiado en serio. La carga ecologista también llegó a Italia. Baste recordar “Indio, la gran amenaza”, (1988) y su secuela “Indio 2. La revuelta” (1990) de Antonio Margheriti, un par de pseudo-Rambos con coartada ecológica (1).

“Grandi cacciatori” se adentra más de lleno en la denuncia. Metiendo directamente el dedo en la yaga sobre el, por desgracia hoy aún vigente, espinoso tema de la cruel matanza de las crías de focas para quitarles la piel con las que confeccionar abrigos de lujo. El director refuerza su postura mostrando repetidamente a estos animales como seres inofensivos, indefensos, que parecen mirar a la cámara con cara de tristeza ante su fatídico destino. La falta de diálogos reina en el film, suplidos por una banda sonora a base mayormente de sintetizadores, muy propia de su época, dando un cierto toque new-age en consonancia con las intenciones del realizador. Lo que más llama la atención del film es la abrupta desaparición del personaje de Klaus Kinski cuando lleva un tercio del metraje. Siendo su puesto sustituido por un sujeto totalmente distinto, Thomas, al que da vida Harvey Keitel (pocos años antes, en 1985, ambos actores ya trabajaron juntos en la fallida “El caballero del dragón”, de Fernando Colomo).

Los dos “cazadores” nos son presentados de forma positiva. Ninguno mata realmente animales. Klaus los coge vivos para los zoológicos, y Thomas es profesor en la universidad. Es curioso que al llegar Klaus al ártico desaparece de la película, tras una breve escena donde vemos lo bien que convive con las focas (como luego lo hará Thomas). Se nos dice que ha desaparecido, poco después el profesor encontrará su cadáver en el hielo, por lo que suponemos que corrió el mismo destino que Alfred. Pero ese final donde se nos explica que Klaus abandonó África porque Ngale había muerto y no tenía ya razón de vivir, no cuela. Nos hace pensar que el rubio alemán discutiría con Caminito abandonando el rodaje o algo similar. Recordemos que ese mismo año también trabajaron juntos en la vilipendiada “Nosferatu en Venecia” (2), cuya filmación fue todo un caos. Kinski discutió con Caminito y empezó a dirigirse él mismo, diferentes realizadores se fueron sucediendo para intentar terminar y dar forma a todo aquel embrollo, etc... Y nos lleva a pensar que Kinski estuvo en estos dos rodajes para que Caminito le produjera su largamente acariciado proyecto de “Paganini”, dirigido al año siguiente por el propio Kinski tras la rotunda negativa de Herzog de llevarla a cabo.

También canta que fue el protagonista de “Fitzcarraldo” quien metió en el rodaje de “Grandi cacciatori” a su pareja de entonces, una jovencísima Deborah Caprioglio (más joven que cualquiera de sus dos hijas, Pola y Natassja), en su debut frente a las cámaras, y a la que sólo vemos en breves flashes al principio de la película en el papel de su difunto amor. Resulta curioso que los personajes de ambos se llamen como ellos. La exuberante protagonista de “Los burdeles de Paprika” (1991) de Tinto Brass o “La sonrisa del zorro” (1992) de Sergio Martino, repetiría como la compañera del inefable Klaus en “Paganini”, título póstumo y testamento fílmico del controvertido actor.

Volviendo al film que nos ocupa, la llegada del personaje de Harvey Keitel (3) cambia el tono de la cinta. Frente a la desesperación y locura de Klaus Naginsky (y del propio Kinski, of course), Thomas es un tipo serio, tranquilo, que busca al asesino de Alfred como un favor personal. Los cazadores de focas nos son mostrados como auténticos carniceros, no sólo son crueles con los pobres animales, sino que además acaban con la vida de quienes se les oponen de la misma manera, un mazazo en la cabeza y dejándolos morir helados (al menos no les arrancan la piel mientras agonizan como a las focas). También intentan matar al profesor, pero éste correrá mejor suerte siendo salvado por unos esquimales con los que convivirá hasta la siguiente temporada de caza, mientras se recupera y aprende las costumbres de los nativos. El realizador aprovecha para mostrarnos la diferencia con los esquimales, que matan a los animales para su propia supervivencia. Enfrentando este comportamiento al de los cazadores de focas, que siempre hacen aparición en hilera, maza en mano, y enfocando sus pies a cámara lenta, anunciando la amenazante llegada del peligro.

Pero esta vez será Thomas quien sorprenda a sus contrarios con una trampa (una ametralladora, al estilo del viejo Django), para hacerles huir, exceptuando a su objetivo, al que dispara en una pierna y deja sufriendo para, al día siguiente matarlo al estilo del propio cazador de focas. Pero, pese a su odio, el profesor aún guarda algo de humanidad, y preferirá acabar pronto con un disparo en la cabeza. Su convivencia con las focas y el haber sido impotente testigo de la matanza de éstas le lleva a cumplir su misión más por estos mamíferos que por la razón inicial. Una vez termina con el cazador, coge a una pequeña foca que había a su lado, para llevarla con los suyos y ponerla a salvo.

Al final, tras despedirse Thomas de su amigo y coger el tren en el que llegó (como en tantísimos westerns), unas leyendas nos recuerdan que los animales son seres vivos como nosotros, con una dignidad superior a la de muchos hombres, y que no hay que hacerles daño, insistiendo en el mensaje del film. Rodada después del “Cobra Verde” (1987) de Herzog, “Grandi cacciatori” ha sido durante años un filme maldito, una de las películas perdidas de Klaus Kinski, recuperada afortunadamente hace un tiempo por la televisión italiana, lo que nos ha permitido verla . Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Rodada en Filipinas, Borneo, Brasil y Argentina, la primera parte de “Indio. La gran amenaza” fue protagonizada por Francesco Quinn como el héroe mestizo que impide que unos indeseables se carguen la selva. Luchará con la ayuda del boxeador Marvin “Maravilla” Hagler, contra todo un ejército liderado por Brian Dennehy, precisamente el odioso antagonista de Sylvester Stallone en la seminal “Acorralado” (1982) de Ted Koscheff. En su segunda entrega, con Hagler alzándose con el papel principal, nuevamente un enfrentamiento contra quienes quieren perjudicar a la naturaleza, en esta ocasión con Charles Napier de villano, no por casualidad uno de los malos del “Rambo” (1985) de George Pan Cosmatos. Ambos filmes de Margheriti fueron editados en VHS en nuestro país por la mítica Record Visión.

(2) Por otro lado, más un exploit que una secuela del exitoso remake de “Nosferatu” a cargo de Werner Herzog, con el propio Kinski en el papel del vampiro. Por cierto que el actor se negó a repetir el mismo maquillaje que en ésta.

(3) Keitel estuvo trabajando en Europa durante buena parte de los 80. Cuando intervino en “Grandi cacciatori” estaba en el candelero por su papel de Judas en “La última tentación de Cristo” (1988) de su viejo amigo Martin Scorsese. Aunque su mejor momento profesional fue sin duda durante los primeros 90, destacando en cintas del calibre de “Reservoir dogs” (1992) de Quentin Tarantino (donde también ejerció de productor junto al legendario Monte Hellman), la oscarizada “El piano” de Jane Campion (1992), o la controvertida “Teniente corrupto” (1992) de Abel Ferrara. Film que ya cuenta con remake a cargo de Werner Herzog y protagonizado por el histriónico Nicolas Cage. Su presentación fue en la Mostra de Venezia del pasado septiembre del 2009, donde estaba el propio Ferrara y, al que al parecer, no gustó mucho.

Las melancolicas

2009-10-14T17:35:00.049+02:00

Exorcism's Daughter IMDb

Año: 1971 (España)
Director: Rafael Moreno Alba
Interpretes: Analía Gadé, Francisco Rabal, Espartaco Santoni, María Asquerino, José Vivó, Helga Liné, Yelena Samarina, Asunción Balaguer, María Vico, Pilar Bardem.

Sinopsis: España, finales del siglo XIX. Un nuevo doctor llega a un pequeño pueblo para hacerse cargo de las internas del manicomio local. Pronto sus novedosas prácticas, en consonancia con los avances de su campo, chocarán con las arcaicas y ancladas creencias del lugar.

Comentario: En 1971, Eloy de la Iglesia dirige “La semana del asesino”. Dos años más tarde, Eugenio Martín estrena en salas “Una vela para el Diablo”. Ambas cintas están entre lo mejor de sus realizadores. Aúnan cine de género (las dos son, a su manera, historias de serial-killers por casualidad) con una mirada incisiva a la caduca e hipócrita moralidad de derechas de un régimen que agonizaba. Sus protagonistas se ven “obligados” a matar una y otra vez para evitar la vergüenza moral. Y los dos filmes comparten además que la censura se cebó con ellos, privándonos de material importante. A comienzos de la década el comité censor seguía tratando a las películas con guante de hierro para sus estrenos nacionales. Por 1975 empezaría a relajarse y permitir ciertos “desnudos artísticos”, para quedar totalmente abolida a finales del ‘77. Una vez desaparecido tan oscuro organismo, llegarían a las pantallas no pocas producciones ajustando cuentas con la por entonces recientemente caída dictadura. Pero durante la vigencia de ésta, los realizadores tuvieron que valerse de subterfugios para mostrar su desacuerdo y no tener problemas con las peligrosas tijeras.

Marzo de 1974, proyectan en las salas de Estados Unidos “Exorsism’s daughter”, título con el que los avispados distribuidores yanquis estrenaron “Las melancólicas”, cinta de Rafael Moreno Alba de 1971 que, ciertamente, guarda más relación con los dos filmes nombrados al comienzo de estas líneas que con la exitosa peli de Friedkin. A pesar del exorcismo indicado en el título norteamericano (y de gran importancia para la trama), no estamos ante un film de terror, sino más bien ante un drama desgarrado. Es demasiado evidente que, aunque se sitúe la acción en la España de fines del XIX, hay una clara analogía con nuestro país a comienzos de los ’70.

Un doctor de ideas liberales llega a un pueblo anclado en sus viejas tradiciones y pronto surge un choque frontal. El joven médico (Espartaco Santoni) quiere servirse de las últimas teorías en psiquiatría para curar a las internas, pero al pueblo no les importa que estas sanen, lo que les interesa es mantenerlas alejadas de ellos (el sanatorio se encuentra en medio del campo, en las afueras de la ciudad), y para referirse a ellas, y por no decir locas, utilizan el eufemismo de “Las melancólicas” (título más poético que el explotativo norteamericano). El encontronazo con la junta de administración no se hace esperar. Ellos hacen valer un reglamento arcaico y férreo (que se saltan cuando les interesa) y en cuya normativa incluye castigar a las internas si se portan mal, golpeándolas físicamente o a base de tratamientos de choque con agua fría. Estos métodos no gustan nada al nuevo licenciado, que pretende abolirlos: “Ciencia y cultura como nuevos reglamentos”.

El doctor demuestra la validez de las nuevas teorías ayudando a una interna que se creía muerta y se negaba a comer. Para ello se valdrá de la ayuda de las demás enfermas e incluso de Fuso, el guardián. Pero el éxito conseguido es visto por los lugareños como el trabajo de un brujo. El médico se interesa especialmente por Tania, la argentina Analía Gadé (1), intentando llegar a su psique y adentrarse en el trauma que la tiene en ese estado. Ella se mostrará hostil y defensiva al principio, pero poco a poco irán avanzando, además de sentirse atraídos el uno por el otro. Mas todo será inútil, los mandamases del pueblo se van a oponer.

Una desconocida Helga Line

Los tres estamentos dirigentes del régimen salen personificados (de forma despectiva), y todos se van resistir, por sus propios intereses, a los avances del progresista doctor. Entiéndase, el clero, la política, y el ejército... más o menos. Los primeros aparecen representados por un anticuado religioso que ve en las teorías manejadas por el licenciado una herejía, la mano de un brujo, y se contrapone a él totalmente. El cargo político viene dado por una viuda de buena familia que dirige la junta de administración, y que le restará todos los favores de este órgano al doctor al negarse éste a ser su amante (2). Las fuerzas ejecutivas del orden son simbolizadas por un antiguo soldado, inculto, ladrón, miserable, aprovechado, borracho, etc... que se encarga de las labores de guardián en el asilo. Sigue el reglamento, para lo que le conviene: tiene relaciones con una de las locas (extraña e hipnótica Helga Liné), alquila los favores de las ninfómanas al barbero (el recientemente fallecido Víctor Israel en otro de sus muchos papeles desagradables), y obliga a otra reclusa a mendigar para llevarse él los beneficios. Es más, golpea a las enfermas y no siente compasión alguna por ellas (3). Papel que, por cierto, recae en el gran Paco Rabal (4).

El recientemente desaparecido Victor Israel

En el otro lado, la nueva España con ideas liberales, encontramos a, por supuesto, el doctor recién llegado, y a Tania, la joven interna que grita en su locura frases como “Libertad sin cárceles, sin violencia”, “Condenadas sin ser juzgadas por un tribunal”, etc... La investigación con Tania lleva a descubrir que su miedo, su tristeza y su agonía espiritual tienen un origen de índole religioso. Y termina sacando a la luz que todo es debido a que cuando niña (interpretada por Inma de Santi) fue testigo del exorcismo al que fue sometida su madre, dejando a la cría en estado de shock. No estamos ante un caso de posesión, sino de locura, tratado por los incultos aldeanos como si de la influencia del maligno se tratase, en un caso análogo a “El demonio” (1963) de Rondi. Y la joven empieza a recuperarse tras esta regresión al pasado, mas ya es tarde. La junta directiva manda, y lo importante no son los resultados, sino los intereses del órgano, mantener la apariencia moral sobre todo, y que permanezca el status quo. El doctor es expulsado y las reclusas vuelven al régimen anterior. El sueño de libertad quebrado por la violencia del orden impuesto. Mandado por los dirigentes y ejecutado por el guardián.

Una jovencisima Inma de Santi

La escena perdida. Revisando el VHS que Something Weird Video lanzó en USA en los 90, nos topamos con unos minutos que no aparecen en la versión española. En esta última vemos cómo Don Federico, el barbero, paga a Fuso para tener sexo con varias internas, pero en la americana esto se prolonga, mostrándonos la orgía que se monta el viejo verde con varias chicas, y a dos de las ninfómanas liándose entre ellas en una bañera aunque el guardián les quiera quitar los calores echándoles agua fría. ¿Fue este metraje rodado para la distribución internacional de la cinta? ¿O fue cortado por la censura? El caso es que está muy trabajado y bien planificado, no es la típica escena de tías en pelotas que metía la Profilmes para vender sus películas fuera...

Pero pese a todo, la edición yanqui es más corta, se suprime todo lo referente a la curación de la interna que se creía muerta, y donde se nos muestra los buenos resultados de las novedosas teorías que emplea el doctor. También desaparece la presentación de la chica que se cree un perro y pide limosna para Fuso. Encontramos por tanto más interesante y sustancioso el montaje estrenado en nuestro país. Ahora, si tuviéramos uno completo, sería lo ideal. Espartaco Santoni, además de ser el intérprete principal, ejerce funciones de productor ejecutivo, como era normal en las películas donde intervino (¿o era al revés?). El madrileño Rafael Moreno Alba (que contó en esta ocasión con Carlos Aured como ayudante de dirección) fue el responsable de diversos episodios para las series de RTVE “Los gozos y las sombras” (1982), sobre la obra de Gonzalo Torrente Ballester, y “Proceso a Mariana Pineda” (1984), según los hechos recogidos por Federico García Lorca, y con Pepa Flores (Marisol se hizo mujer) en el papel principal. Su último trabajo para la gran pantalla, tras unos años de silencio, fue el thriller “El beso del sueño” (1992), protagonizado por Maribel Verdú. Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Actriz a la que al año siguiente veríamos en “La mansión de la niebla”, de Francisco Lara Polop y Pedro Lazaga, cuyo montaje estrenado en salas nacionales sufrió severos cortes.

(2) Puesto que finalmente será cubierto por el servicial y nada escrupuloso guardián Fuso. Mientras éstos yacen en la alcoba, el doctor y sus chicas celebran una fiesta por las calles gritándole a los lugareños lo hipócritas que son. Para no sentirse aludidos, les bastará con cerrar la ventana.

(3) “El último invierno enterramos a cinco” le espeta al joven doctor. Resulta curioso que Rabal encarne aquí a uno de los caducos estamentos del viejo régimen, mientras que representó a la nueva España que traía nuevos aires liberales frente a la asfixiante dictadura en la imprescindible “Viridiana” (1961) de Luis Buñuel.

SITGES 2009 - Festival Internacional de Cine Fantástico

2009-10-13T11:46:00.027+02:00

Días 8 a 12: Fin de fiesta por José Luis Alonso

PALMARES SITGES 2009

Oficial Fantástic
- Mejor Película: “Moon” de Duncan Jones
- Premio Especial del Jurado: “Enter the Void” de Gaspar Noé
- Mejor Director: Brillante Mendoza por “Kinatay”
- Mejor Actor: Sam Rockwell por “Moon”
- Mención Especial: "The boy who wouldn’t kill de Linus de Paoli"
- Mejor Actriz: Elena Anaya por “Hierro” y Kim Ok-vin por “Thirst”
- Mejor Guión: Nathan Parker por “Moon”
- Mejor Fotografía: Benoit Debie por “Enter the Void”
- Mejor Banda Sonora Original: Teresa Barrozo por “Kinatay”
- Mejor Cortometraje: “One of those days” de Hattie Dalton
- Mención Especial: “The boy who wouldn’t kill” de Linus de Paoli
- Mejor Diseño de Producción: Tony Noble por “Moon”
- Mejores Efectos de Maquillaje: Kaatje Van Damme por “Mr. Nobody”
- Mejores Efectos Especiales: KNB EFX Group por “Splice”

Carnet joven
- Mejor Película: Ex-aequo: “Dogtooth (Canino)” de Yorgos Lanthimos y
“Les derniers jours du monde” de Arnaud de Larrieu y Jean-Marie Larrieu
- Mejor Película en Midnight X-Treme: “Wasting Away” de Matthew Kohnen

Noves visions
- Mejor Película: “Deliver us from Evil” de Ole Bornedal
- Mención Especial: “Van Diemen’s Land” de Jonathan auf der Heide
- No Ficción: “Best Worst Movie” de Michael Paul Stephenson
- Discoverty: “Amer” de Hélène Cattet y Bruno Forzani

Orient express
- Mejor Película: “Ip Man” de Yip Wai-shun

Premio del público: “Zombieland” de Ruben Fleischer

Premio de la crítica
- Premio de la Crítica Jose Luis Guarner: “Les derniers jours du monde” de Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu
- Premio Citizen Kane al director/a revelación: “Dogtooth (Canino)” de Yorgos Lanthimos

Brigadoon Paul Naschy
- Mejor Cortometraje: “Torbellino de hostias” de Adrián Cardona

Premio BEN&JERRYS: “[REC] 2″ de Jaume Balagueró y Paco Plaza

Último momento destacado: La gran entrega de premios final

Momento destacado: Gran Premio del Festival para Viggo Mortensen

Momento emotivo: Ivan Reitman recibió la "Maquina del Tiempo"

Momento distendido: 2ª Marcha zombie por la ciudad

Momento destacado: Samuel Hadida y la María honorífica del Festival

Otro momento emotivo: Elias Querejeta y su María honorífica

Gran momento del Festival: Clive Barker con su "Maquina del Tiempo"

Días 5, 6, 7: Plateas divididas por José Luis Alonso

Momento del día: Antonio Isasi-Isasmendi y su María honorífica

Momento emotivo del día: Sebastian D'Arbo y el premio por su carrera

Otro momento emotivo: Shinya Tsukamoto y su Maquina del Tiempo

MOON (2009- GB) Duncan Jones

Sinopsis: Nada mejor para celebrar el cuarenta aniversario de la llegada a la Luna que disfrutar de Moon, que recupera la tradición de la ciencia-ficción de los años setenta, con el gusto por las maquetas a la hora de confeccionar los efectos visuales. Duncan Jones, hijo de David Bowie, debuta en la dirección con este puzzle que recuerda a Naves Misteriosas o Solaris evitando el exceso de metafísica y potenciando el contorno humanista. Pero Moon es Sam Rockwell, excelente como un solitario trabajador en una estación lunar, secundado por la voz inequívoca de Kevin Spacey dando personalidad a un modelo cibernético que nada tiene que envidiar al mítico HAL 9000.

Comentario: El hijo de David Bowie tiene futuro en esto del cine, por que más allá de que su opera prima sea una pequeña joya, ha decidido entrar en el cine con un film poco cómodo, totalmente provocador y encima profundamente reflexivo. Su film nos habla de una ciencia ficción de futuro no muy lejano, para que entendamos que nuestros actos actuales sino son variados pudieran terminar derivando en semejante futuro. Este film alucinatorio que se apoya sobremanera sobre las ideas de guión en lugar de sobre los fx, es tan novedoso como deudor de los grandes clásicos de la sci-fi. Su humildad económica en ningún momento representa un lastre, más bien una demostración de que las buenas ideas y la pobreza de medios nos pueden devolver la estabilidad que tanto necesita el mundo del cine. La poco habitual actuación de Sam Rockwell , así como los inusuales diálogos dan entidad propia y diferenciada a la película. No ocurre lo mismo con la estética o la música, pues resultan claramente deudores de films anteriores, pero sin llegar a contaminar la entidad de la película. Un film donde se priman las ideas sobre las acción, lo que desemboca en un ritmo pausado donde podernos empapar de la trascendencia de cada momento. Abreviando diremos que a partir de este momento su director se convierte en alguien a quien seguiremos la pista muy de cerca, y que en Sitges 2009 estará sin duda entre los films con más posibilidades de ganar el Festival.

Día 3 y 4: Entradas agotadas por José Luis Alonso

Momento del día: José Ramón Larraz recibiendo su María honorífica

Momento emotivo del día: Herschell Gordon Lewis y su Maquina del tiempo

Otro momento emotivo: Jack Taylor y su premio Nosferatu por su carrera

LA HUERFANA (Orphan, 2009 - USA, Canadá...) Jaume Collet-Serra

Sinopsis: La familia, infinita fuente de alegrías, puede serlo también de desgracias, y la que protagoniza Orphan parece abonada a lo segundo. Con una situación problemática, aborto, alcoholismo por parte de madre y sordera por la de la pequeña de la casa, los Coleman creerán encontrar la estabilidad que necesitan adoptando un quinto miembro. Lo malo es que los problemas atraen más problemas y con Esther, la adoptada, van a tener otro y de los gordos. Si el pasado de esta diabólica niña no era ya suficientemente oscuro, su presente arrojará a su nueva familia al puritito infierno. Una cosa es segura: tras Joshua, Vera Farmiga se ha ganado de sobras el premio a la madre del año.

Comentario: El catalán Jaume Collet-Serra película a película va haciéndose un hueco entre los realizadores interesantes del nuevo cine de terror, su efectiva nueva propuesta así lo certifica. El film nos cuenta una historia terrible llena de momentos espeluznantes, apoyándose en un buen trabajo actoral (destacando sobre todo el realizado por Isabelle Fuhrman como malvada huérfana), un guión más que digno y una cuidada y tensa atmosfera de tragedia. Rematando la jugada con un gran giro final digno de films como “Demencial (1982) de Don Gronquist“ o “Campamento de verano (1983) de Robert Hiltzik “. Esta película de estructura clásica que no abusa de los fx, quedara como una obra menor dentro de la temática dedicada a los “niños malvados”. Ciertamente la cinta transita varios de los clichés típicos de dicha temática pero esto no evita que logre mantenernos en vilo en todo momento. Por otro lado sus excesos dramáticos y concesiones gratuitas restan trascendencia al conjunto hasta dejarnos una cinta competente pero demasiado convencional.

GRACE (2009 - USA, Canadá) Paul Solet

Sinopsis: El Festival de Sitges siempre anda holgado de monstruos de todas las tallas y en esta edición abundan los pequeños. The Children y Orphan son una buena muestra de ello pero, atentos con Grace, el prometedor debut de Paul Solet con el que la crítica internacional se ha deshecho en elogios. Expasión natural de su premiado cortometraje, Grace, la película, narra las vicisitudes de una madre obsesionada con sacar adelante a su recién nacido. Hasta ahí todo sería normal si no fuera porque tras un fatal accidente, el niño nunca hubiera debido nacer, o al menos, nadie esperaba que lo hiciera. Absténganse las embarazadas porque su intensidad puede provocar desmayos.

Comentario: “Grace” de Paul Solet está a la altura de su fama, es tan cruda y enfermiza como dicen. Un film claustrofóbico sobre la maternidad, la cual se nos muestra a través de los ojos de unos pocos y perturbados personajes. La dignidad con que cae en ciertos tópicos no hace descender el alto nivel de la película. Nivel que por desgracia tendrá su punto más bajo en la parte final. Con todo seguro que estará entre las candidatas firmes a ganar el Festival de Sitges 2009. Ciertamente el film nos traerá a la memoria las recientes e interesantes "À l'Intérieur (2007) de Alexandre Bustillo, Julien Maury" y "Vinyan (2008) de Fabrice Du Welz", así como la más antigua saga “Estoy vivo” de Larry Cohen. Concretando esta cinta de terror psicológico y denuncia naturalista se adentra hasta sus últimas consecuencias en los traumas femeninos de sus protagonistas, apoyándose en trabajo técnico y artístico muy cuidado, y sacando bastante provecho su modesto presupuesto de film independiente. Una obra totalmente disfrutable y recomendable para todos aquellos amantes del terror depurado pero sanguinolento.

HERMANDAD DE SANGRE (2009 - USA) Stewart Hendler

Sinopsis: Siendo sinceros, House on Sorority Row, el film que rodó Mark Rosman en 1983, no sentó cátedra ni se ha convertido con el tiempo en un clásico del slasher. Pero sigue teniendo sus admiradores y el guión tenía potencial y suficiente morbo como para que ahora Stewart Hendler decida readaptar una historia en la que, tras una cruel broma, las chicas de una fraternidad de instituto (las Tetha-Pi) se las van a tener que ver y desear para escapar de un fatal destino que amenaza con reducirlas en número según avanza el metraje. Seis autenticas bellezas en el reparto, un terrible secreto, un misterioso encapuchado, y aparición estelar de Carrie Fisher.

Comentario: Remake innecesario de “Siete mujeres atrapadas (1983) de Mark Rosman”, de tratamiento manido y resultados intrascendentes. Con actuaciones planas y giros inverosímiles que rozan el ridículo, como pasa con toda la parte final. Comentar que una casi irreconocible Carrie Fisher aparece interpretando un pequeño papel. Por destacar alguna cosa diremos que se hace entretenida si no se tienen grandes expectativas y que las muertes acontecen con cierta originalidad. En resumen un alocado slasher teen de sangre, sexo y simplista moraleja que no pasara a la historia del cine.

PANDORUM (2009 - USA, Alemania) Christian Alvart

DÍA 2: Segundo asalto por José Luis Alonso

Sin duda Park Chan-Wook ha sido el protagonista del día, al recibir en reconocimiento al conjunto de su carrera la "Máquina del Tiempo".

THE COUNTESS (Francia, Alemania - 2009) Julie Delpy

Sinopsis: Principios del siglo XVII. La condesa Erzebet Bathory inicia un romance con el joven Istvan, hasta que el padre de este les obliga a separarse. En pleno duelo por la ruptura, la condesa despechada empieza a temer por el paso de los años, las primeras arrugas, el peso de la edad. Encuentra entonces una solución: beber sangre de chicas vírgenes y convertir su castillo en una máquina de matar digna del Sweeney Todd de Tim Burton.

Comentario: El tercer largo de la francesa Julie Delpy vuelve rayar a gran altura, una de las directoras jovenes más prometedoras, que con este film historico-biografico de ritmo pausado y cuidadisima fotografia y decoración, da un paso de madurez cinematografica bastante importante en su carrera de realizadora. La vida de la condesa húngara Elísabeth Báthory (La condesa sangrienta) a contado con excelentes adaptaciones cinematograficas, pero ninguna de la delicadeza y esquisitez de “The countess”, esta cuidada coproducción rodada en Ingles entre Francia y Alemania deberia sin duda contar como una candidatas serias para ganar el Festival de Sitges 2009. No por que su historia sea novedosa, pues es de sobra conocida por la mayoria, sino por su atemperado tratamiento y brillante trabajo tanto tecnico como artistico. La propia interpretación de Julie Delpy nos hace recordar a la genial Ingrid Bergman, y resulta especialmente meritorio que siendo la protagonista absoluta del film no haya desnuidado en nada su honesto trabajo tras la camara. El film pese a su intencionada austeridad cuenta con varias escenas descarnadas que rozan casi el gore. Pocos por no decir ninguno son los peros que se lo pueden poner a esta bella y cruda película, como no sea un esceso de corrección que parace reterner al film de lograr una mayor trascendencia. Pese a todo sin llegar a ser una obra maestra es un film sobresaliente, que esperemos no sea el techo artistico de su directora sino solo un escalon más en su ascendente carrera como realizadora.

CROWS II (Kurôzu zero II, Japón - 2009) Takashi Miike

Sinopsis: Lo prometido es deuda y aquí vuelve el gran Takashi Miike con una nueva entrega de este blockbuster de acción, basado en el popularísimo cómic de Hiroshi Takahashi , que reventó las taquillas de Asia el pasado año. El conflictivo instituto Suzuran volverá a ser escenario de épicos combates entre bandas de estudiantes que viven y piensan por y para la lucha. Una espectacular segunda parte en la Genji y su grupo se verán enfrentados a un nuevo problema, el ataque de la poderosa banda Hosen. Nuevos personajes, punk-rock, glamour a raudales y una acción, con cientos de extras, que roza los límites del conflicto bélico.

Comentario: Otra decepcionante película de Takashi Miike, desde luego el 2009 no ha sido su año en cuanto a pelis de calidad (otro cantar será en taquilla). Aunque todo hay que decirlo es mejor que su otra peli de este año “Yatterman”, aunque igual de comercial. "Crows II" continúa la historia donde terminó "Crows-Zero", así que esta continuación es más de lo mismo pero elevado al cubo, las aburridas batallas campales entre institutos y las poses insufribles de sus protagonistas vuelven a campar a sus anchas en una cinta que encima se estira más allá de las dos horas de duración. Estos outsiders de anuncio son recogidos con todo glamour por la cámara de Miike lo cual nos da bastantes pistas sobre la artificialidad de sus intenciones para con unos personajes tan arquetípicos y vacios. La falta de mujeres en el film da claras notas del exacerbado mundo machista en el que nos adentramos, y donde apenas tampoco encontraremos otros seres que no sean chicos adolescentes con ganas de demostrar lo fuertes que son. Resumiendo un espectáculo demasiado predecible para el casi siempre delirante Miike, quien endiosa al ritmo del hard-rock a estos futuros yakuzas de la forma más estéticamente posible. Consiguiendo un film de muy poca trascendencia y demasiada testosterona, con una puesta en escena de molestas pretensiones épicas que intentan ocultar la casi inexistencia de un guión. Con todo se deja ver y nos hace intuir que su director sigue rodando tan desacomplejado y libre como siempre.

THE COLLECTOR (USA - 2009) Marcus Dunstan

Sinopsis: El acceso restringido de su sitio web ya tendría que darnos una buena pista de lo que nos prepara The Collector, tanto o más que el conocer la trayectoria de sus responsables, los guionistas de las tres partes de la delirante saga Feast y de las tres últimas de la incombustible Saw. Para bien o para mal, Saw fue pionera del torture porn y Marcus Dunstan ha tenido tiempo para mejorar la fórmula y debutar como realizador con un ingenioso carrusel de tropelías que tiene como protagonista a un enmascarado con un curioso hobby y una casa llena de trampas mortales. Un ladrón acaba de colarse en ella y si una cosa tenemos clara es que le va a costar mucho salir.

Comentario: La opera prima del guionista de SAW IV, V, VI, como era de imaginar transita por los mismos caminos que la archifamosa saga, para lo bueno y para lo malo. Su director por lo tanto obviamente a intentado aprovechar el éxito que entre el público actual tiene este tipo de terror, para lanzarse al ruedo. Con estos precedentes la verdad es que las expectativas ante su visionado no eran muy halagüeñas, pero he de reconocer que el film tiene los suficientes aciertos como para dejar la puerta entre abierta a la futura carrera como director de Marcus Dunstan. Más que nada por toda la primera mitad del film, en la que no le ha temblado el pulso a la hora de describirnos las bases de la historia. Lástima que de la mitad hasta el final estropee buena parte de su buen hacer y termine cayendo en las tópicas complacencias e inverosímiles giros argumentales.

Pero centrémonos en describir parte de los aciertos de la cinta, para empezar su gran carga simbólica, como la escena en que vemos al gato mirando los peces dentro de la pecera o todas aquellas en las que contemplamos como el asesino ha tejiendo una red de trampas mortales como si se tratara de alguna de las arañas que aparecen a lo largo del film, acciones que una tras otra tiene su similitud con el proceder de este arácnido. Otro de los aciertos del film es su terrorífica y claustrofóbica atmosfera, gracias a que los acontecimientos se desarrollan en una oscura noche tormentosa y los protagonistas siempre se ven encerrados en habitaciones o sótanos, teniendo que escapar por conductos estrechos de un acechante asesino y una casa con extremas medidas de seguridad y montones de trampas. También acertada es la elección de Josh Stewart para un papel que le viene a la medida, como un ladrón forzado por las circunstancias pero de buen corazón que en su último robo encuentra algo que en absoluto es lo que buscaba. El asesino que parece sacado de un giallo de los años 70 o de un slasher de los 80 resulta lo suficientemente inquietante por sus extraños gustos como para no pasar desapercibido como un simple maniaco más. Pero según nos acercamos al final las facilidades de guión se hacen más presentes y las situaciones más inverosímiles, sus escasos diálogos no logran evitar que alguno resulte fuera de lugar. Además se intenta asustar al espectador con innecesarios trucajes visuales y para terminar de estropear la jugada el final esta totalmente forzado para poder dejar la puerta abierta a una posible continuación. En resumen un film menor que nos es una mala carta de presentación para su autor si en el futuro corrige sus debilidades.

DÍA 1: Inaguración por José Luis Alonso

Hoy uno de los dos momentos más emotivos del día ha sido la entrega de la Maquina del Tiempo a Walter Hill en la ceremonia de inauguración del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, Sitges 2009.

Y el segundo momento más emotivo del día es la entrega del gran premio honorífico a Malcolm Macdowell tabién en la ceremonia de inauguración del festival.

Bueno después de estos dos emotivos momentos para cualquier cinéfilo que se precie, nos centramos en el esperado film de Inaguaración y las películas que compiten en la Sección Oficial del Festival .

REC 2 (España - 2009) Jaume Balagueró y Paco Plaza

Sinopsis: Ya va un tiempo desde que Manuela Velasco, grabada con textura de visión nocturna mientras era arrastrada hacia la oscuridad, nos dejó con el corazón en un puño. Para nosotros han pasado dos impacientes años. Para la película, sólo quince minutos. En este punto comienza [·Rec]2: con los GEOs preparados para entrar en el bloque de pisos asolado y cubierto de plástico. Llegó el momento de las respuestas, de ver qué clase de experimentos se llevaron a cabo en el ático de aquel edificio del Eixample, de comprobar si la periodista intrépida murió... O no. Plaza y Balagueró no sólo ponen fin a tanta incógnita, sino que consiguen lo imposible: mantener la tensión en lo más alto.

Comentario: Digna aunque inferior continuación de una de las películas que renovó recientemente el cine fantástico español. Un film que vuelve como su predecesor ha abusar de la frenética cámara en mano, y de las chirriantes actuaciones al borde del histerismo. Por otra parte se han incrementado tanto su ritmo narrativo (para que el espectador no se aburra o recapacite demasiado), como los giros argumentales (para que decaigan los sorpresas cada pocos minutos). El film rompe la linealidad de su historia constantemente tanto por el alternante montaje como por mostrarnos desde diferentes puntos de vista las mismas situaciones o escenarios. Todo esto nos da una clara idea de que estamos ante una continuación bastante salvaje y desprejuiciada, a la que no le faltan innovaciones acertadas, con respecto a la ya novedosa primera parte.

Por otro lado hemos de lamentar que las actuaciones son claramente inferiores a las realizadas por el conjunto de actores del primer film, no así la fotografía, el maquillaje, decorados y efectos especiales, los cuales resultan más logrados. El espectador más cinéfilo encontrara claras referencias a conocidos films de ciencia ficción y terror, lamentablemente demasiado obvias y restando fuerza imaginativa al guión y la puesta en escena. En este nuevo film se aportan las explicaciones a todos los misterios que se planteaban en el primer “Rec”, pero estas son demasiado cogidas por los pelos como para resultar demasiado inverosímiles. Se conserva el aire de reportaje televisivo gracias a que el equipo de GEOs que entran en el edificio infectado, llevan una cámara de video integrada en el casco del uniforme. Esta prolongación del film original resulta interesante pero demasiado irregular y complaciente, aunque esto seguramente no evitara que se vuelva a convertir en otro pelotazo de taquilla, como podéis comprobar en la mayoría de opiniones del video siguiente.

YATTERMAN (Yattâman, Japón - 2009) Takashi Miike

Sinopsis: Turboperros, cybercalamares, marabuntas mecánicas, chanquetes voladores, megarobots de cocina y más cachivaches electrónicos que el Inspector Gadget... Cuando uno cree que ya lo ha visto todo aparece Takashi Miike en el horizonte y revienta la platea con otra bomba de nitroglicerina visual. Y es que en esta fiel adaptación de la popular serie animada de los setenta todo es bio, cyber y mecha menos la ultrasexy Doronjo, archienemiga de Yatterchico y Yatterchica, los superhéroes de este monumental desenfreno juguetegráfico en el que reinan la histeria, los chistes subidos de tono y una imaginación que no es de este mundo.

Comentario: Otra película intrascendente donde Miike vuelve a desperdiciar su talento, un film de puro entretenimiento lleno de efectos digitales y humor burdo. Que ha funcionado en taquilla también como su anterior adaptación de un anime “Zebraman (2004)” film con el que por cierto guarda bastantes puntos en común. El film es una adaptación de una serie japonesa de animación emitida de 1977 a 1979. Dicha serie recientemente había sido objeto de un remake contemporaneizado por parte de una televisión nipona. Así que obviamente el film no podía ser más oportunista y nos vuelve a descolocar casi tanto como cuando realizo “Zebraman”, ya que nos cuesta aceptar que un director de culto como Miike se embarque en proyectos tan comerciales e intrascendentes como este “Yatterman”. Un film aburrido desde el primer minuto ya que nunca nos llegan a interesar lo más mínimo sus personajes o las situaciones tan efectistas.

La banda sonora no podía ser más infantilmente ochentera.Cuesta creer que un film así lo encontremos compitiendo en Festivales de cine fantástico del prestigio de Sitges, por mucho que venga firmado por Takashi Miike. Tristemente quitando los más fanáticos seguidores del cineasta (los cuales no son pocos), los demás nos vamos acostumbrando cada vez más a menudo a recibir con cada nueva película suya una de cal y otra de arena. Su psicotónica es tan grande como los robots que aparecen en la película, desconozco la serie de animación para poder comprobar si Miike ha logrado actualizar o engrandecer en algo el original, pero si así fuera no quiero ni imaginar cómo sería la serie. En fin un film que solo se puede disculpar en parte por estar dirigido al público infantil, y digo en parte porque hace ya unos años que venimos disfrutando de films infantiles que también pueden ser disfrutados por los adultos, como era el caso dentro de la propia filmografía de Miike de su simpático “Zebraman”, pero esta vez a realizado su peor film de los últimos años. Os recomiendo verla en versión original subtítulada pues las voces originales resultan bastante divertidas.

THE CHILDREN (GB - 2008) Tom Shankland

Sinopsis: Hace más de treinta años, nuestro querido Chicho se/nos preguntaba ¿Quién puede matar a un niño? y ahora es Tom Shankland (WAZ; Sitges’07) quien parece pasarles la pregunta a los protagonistas de su apocalíptica The Children, dos parejas, cuatro niños y una lolita en ciernes, que han tenido la mala de idea de pasar el fin de año en una casa aislada en las montañas. Los niños, ya se sabe, lo pillan todo, y lo que van a pillar estos querubines es un virus misterioso que va a transformar el cariñoso apelativo de ‘pequeños demonios’ en sangrienta realidad. Una despiadada postal navideña cargada de tensión e ironía.

Comentario: Inquietante película que avanza en todo momento sin concedernos descanso, que cuenta una lograda y sobrecogedora atmosfera. El aislado y nevado escenario, así como los bosques desnudos de hojas, todos se ven magníficamente recogidos por un acertado trabajo de fotografía. El director saca gran provecho de todos los objetos que figuran en las heladoras localizaciones, dándoles una dimensión simbólica que hace trascender casi cada plano. La buena selección del casting infantil es uno de los puntos fuertes de la cinta. Estamos ante un film de miradas delatoras, que buscan desnudar las apariencias o radiografiar las acciones, dirigidos nada más que por la necesaria intuición como única guía. Un film donde la intuición se convierte en un arma de capital importancia para poder sobrevivir. El film habla en encubierto de las apariencias superfluas que existen en las familias así como de la incomunicación entre sus miembros. Los protagonistas principales de tal función como bien nos adelanta el título son los miembros más pequeños de tan en apariencia felices familias, los cuales se verán afectados por un extraño virus que curiosamente solo les contamina a ellos, convirtiéndoles en unos seres totalmente diabólicos.

La violencia que estos ejercen es seca y brutal, y solo los personajes que sobreviven a ella logran disipar la neblina que no les dejaba ver la atroz verdad de lo que ocurre. Estos hechos vuelven a recuperar una vieja cuestión conocida por el buen aficionado al cine fantaterrorifico español, que no es otra que lanzada en su día por el director Chico Ibáñez Serrador con el título de su film “ Quién puede matar a un niño? (1976)”. Unos niños de piel pálida casi mortecina, que contrastan con el interior de una casa llena de vida y adornos navideños. Solo la hija mayor (mitad niña, mitad mujer) logra descifrar antes que nadie lo que ocurre con los tiernos infantes, ya que los más adultos al estar obviamente tan alejados de su infancia son incapaces de entenderla o de reaccionar coherentemente en consecuencia (ya no digamos de destruirla), lo cual les convertirá en claras victimas. Solo uno de los adultos tras varios extremos incidentes lograra salir de su catatonia del mundo adulto. El film no esconde nunca sus cartas y solo parece inseguro de sí mismo en la utilización de algún recurso innecesario como las risas diabólicas o los insertos de imágenes que nos muestran las visiones rápidas y sangrientas que tiene los niños, así como la remarcada utilización de la banda sonora que nos anticipa demasiado los momentos sobrecogedores del film. Cierto que algunos sustos son forzadamente innecesarios como la aparición final de la manada de niños poseídos en el bosque, pero ciertamente nos hace pensar en que los niños tienen que tener algún extraño mecánicos de comunicación entre ellos pues en ningún momento les vemos hablar entre sí. El final abierto, pero en un marcado plano que claramente nos hace intuir la tendencia que seguirá el devenir de los supervivientes, es el mismo que ya utilizara de forma tan afamada el realizador Román Polanski en “El baile de los Vampiros”. Dicho final nos termina por demostrar que el film es un ejercicio de capacidades y estilo por parte del director. Ejercicio con el que logra sin duda darnos un certero y notable film, e instarnos a seguir con interés sus próximos trabajos.

SITGES 2009 - Festival de Cine Fantático (Días 5, 6, 7)

2009-10-10T13:03:00.013+02:00

Días 5, 6, 7: Plateas divididas por José Luis Alonso

Momento del día: Antonio Isasi-Isasmendi y su María honorífica

Momento emotivo del día: Sebastian D'Arbo y el premio por su carrera

Otro momento emotivo: Shinya Tsukamoto y su Maquina del Tiempo

MOON (2009- GB) Duncan Jones

SITGES 2009 - Festival de Cine Fantástico (Días 3 y 4)

2009-10-08T03:01:00.024+02:00

Día 3 y 4: Entradas agotadas por José Luis Alonso

Momento del día: José Ramón Larraz recibiendo su María honorífica

Momento emotivo del día: Herschell Gordon Lewis y su Maquina del tiempo

Otro momento emotivo: Jack Taylor y su premio Nosferatu por su carrera

LA HUERFANA (Orphan, 2009 - USA, Canadá...) Jaume Collet-Serra

GRACE (2009 - USA, Canadá) Paul Solet

HERMANDAD DE SANGRE (2009 - USA) Stewart Hendler

PANDORUM (2009 - USA, Alemania) Christian Alvart

SITGES 2009 - Festival de Cine Fantástico (Día 2)

2009-10-05T00:12:00.015+02:00

DÍA 2: Segundo asalto por José Luis Alonso

Sin duda Park Chan-Wook ha sido el protagonista del día, al recibir en reconocimiento al conjunto de su carrera la "Máquina del Tiempo".

THE COUNTESS (Francia, Alemania - 2009) Julie Delpy

CROWS II (Kurôzu zero II, Japón - 2009) Takashi Miike

THE COLLECTOR (USA - 2009) Marcus Dunstan

SITGES 2009 - Festival de Cine Fantástico (Día 1)

2009-10-03T10:38:00.029+02:00

DÍA 1: Inaguración por José Luis Alonso

Y el segundo momento más emotivo del día es la entrega del gran premio honorífico a Malcolm Macdowell tabién en la ceremonia de inauguración del festival.

REC 2 (España - 2009) Jaume Balagueró y Paco Plaza

YATTERMAN (Yattâman, Japón - 2009) Takashi Miike

THE CHILDREN (GB - 2008) Tom Shankland

AFRIKA

2009-09-27T23:40:00.002+02:00

Afrika IMDb

Año: 1973 (Italia)
Director: Alberto Cavallone
Interpretes: Zawdit Asta, Gianni Basso, Peter Belphet, Kara Donati, Maria Pia Luzi, Ivano Staccioli, Andrea Traglia, Kara Donati.

Sinopsis: Etiopía, la policía interroga en un hotel a un hombre, el último en ver con vida a una joven que ha aparecido muerta en su habitación. La llegada de Jeanne, la hermana de la fallecida, ayudará a esclarecer las cosas.

Comentario: Según la propia crítica italiana Alberto Cavallone continúa hoy siendo un desconocido en su propia tierra. Siendo, y esto es ya opinión propia, uno de los más particulares e interesantes, a la par que anárquicos e irreverentes, realizadores transalpinos de los años 70, la convulsa década que reflejó su malestar tanto en el cine de autor como en el de género, principalmente en el poliziesco.

Cavallone, inclasificable y personal, consiguió un cierto éxito con su primera película estrenada como director (1), “Le salamandre” (1969), que mostraba influencias de “Las ciervas” (1968) de Chabrol, y donde ya se palpaba su estilismo nada ortodoxo y sus ataques político-sociales. En la trama de sexo y lesbianismo era evidente (aunque no la vieran muchos espectadores que se quedaron con la epidermis de las señoritas) esa mirada incisiva al colonialismo, que volvería a tratar en las siguientes obras de su filmografía, como “Síndrome infernal”/”Dal nostro inviato a Copenaghen” (1970), su segunda realización, una parábola nada amable sobre el sin sentido de la guerra de Vietnam; o la tercera, un cambio de registro hacia la comedia con insertos de cartoon incluidos (de nuevo dinamitando convenciones y géneros) en “Quickly, spari e baci a colazione” (1971); y más evidentes en la siguiente, la que aquí viene a cuento, “Afrika”.

Formalmente, Cavallone continúa con su estilo directo y visceral, alejado de manierismos, donde arremete contra las reglas y convencionalismos establecidos. Y temáticamente entronca a la perfección en su filmografía, la historia de amor imposible de dos hombres en un escenario que les es ajeno y en el que se encuentran perdidos. Perdidos además en sus relaciones familiares, pues estos se negarán a aceptar el amor y condición de aquellos (2). “Afrika”, situada en Etiopía, arranca con la cita en un hotel de Philip, Ivano Staccioli (3), con una mujer, Eva. En realidad un chico, Frank, Andrea Traglia en su debut frente a las cámaras, que se ha cambiado de sexo (4). Ambos eran amantes y el segundo ha decidido realizarse la operación en un intento de salvar su relación. El encuentro es fatídico, y poco después el joven aparece muerto tras escucharse un disparo. En el bar del hotel la policía interroga a Philip, el último en verle con vida, y Jeanne, Maria Pia Luzi, la hermana del fallecido aparece para dar su punto de vista. Ambos rememorarán el pasado del muchacho para dar con la clave de si ha sido suicidio o asesinato.

Philip, pintor francés en busca de la inspiración perdida, de clase acomodada, recuerda su encuentro con Frank en una biblioteca, para tomarlo después como secretario personal y amante, frente a la ira de Shirley, Kara Donati, su alcohólica y sexualmente frustrada mujer. El adinerado artista narra su aventura con el joven como una historia de amor y una tabla de salvación para su monótona y triste vida. Jeanne, por su parte, ve la relación entre ambos hombres con otros ojos. Piensa que es la única que podía ayudar y comprender a su hermano. Para ella, Phillip corrompió, pervirtió y se aprovechó de Frank, un chico frágil física y psíquicamente. Pero de las declaraciones de los dos van a empezar a salir trapos sucios. La madre (a la que nunca veremos) y el cuñado de Frank odian la condición homosexual del chico. Y Philip cuenta la vejación a la que sometieron a aquél cuatro jóvenes de la escuela (dos mozas y dos maromos) y donde uno de los muchachos violó a Frank, causando en éste una gran conmoción. Frente a la indignación de Jeanne, el pintor rebela que todo fue idea del marido de aquella, que había pagado a los jóvenes para que Frank se acostara con una muchacha y se “curara” de su condición, pero la cosa se salió de madre. También sale a la luz que Jeanne y su madre no denunciaron los hechos a la policía por miedo a la vergüenza. Mas en casa de Philip las cosas tampoco son de color de rosa. Entre Shirley y su marido hay una relación de dominación donde ella es la más fuerte, le insulta y le espeta que le da asco.

A la vez que Philip extenderá una relación de dominio sobre Frank, no exenta de ecos clasistas y económicos. La esposa intenta, en vano, seducir a Frank y le dice que a otros de los amigos de su marido les gusta. Ella piensa que el chico es sólo otro pasatiempo más de su esposo, pero cuando ve que la cosa va en serio, que ambos se quieren y su acomodado matrimonio peligra, piensa un plan para salvar éste que supondrá el inicio de la tragedia. Organiza un weekend en la selva al que Frank no está invitado, un viaje hacia el interior del país y a la vez hacia el interior de los personajes, al lugar donde la pareja pasó su luna de miel, junto a unos amigos de misma condición social y pocos escrúpulos (5), para celebrar sus 10 años de matrimonio y donde confiesa a su marido la sorpresa de que le han otorgado un premio en París, por fin es reconocido en su propio país, y tiene que ir a recogerlo, por lo que pasará más tiempo alejado de su amante. Pese a los intentos de Shirley de mantener a flote un matrimonio que se hundió hacía ya tiempo, Philip decide que todo ha terminado. Seis meses pasan desde que no ve a Frank y en su reencuentro todo es distinto. El chico intentando no perder su relación y viendo que entre ambos sólo se interponía la esposa de Philip, decide convertirse también en mujer para solventar este escollo, frente a los consejos en contra de Jeanne y del propio Philip desde el extranjero mediante cartas y conversaciones telefónicas. El cambio de sexo le supone además el total rechazo de su madre y su cuñado, para el que no es más que un monstruo, y ante el desprecio de su amante, el joven ha decidido quitarse la vida. O eso al menos es lo que indica la autopsia, pues el disparo en la sien a tan corta distancia lo verifica.

La policía dice a Jeanne y a Philip que pueden irse, ambos están libres de sospecha. Poco después, los dos se reúnen para devolverle a Philip unos libros que éste había prestado al que fuera su amante, y la chica le descubre que fue ella la última que vio vivo a Frank. Tras la discusión de ellos en el hotel, Jeanne que estaba en una habitación cercana desde donde lo había oído todo, fue a la de su hermano y fue ella la que le ayudó a acabar con su vida y apretó el gatillo. Es entonces cuando la muchacha muestra debilidad por primera vez y, dejando a un lado su desprecio hacia el que fuera amante de su hermano, le pide ayuda, a lo que el maduro pintor contesta “¿Cómo voy a ayudarte si no puedo ni ayudarme a mí mismo”. Abandonando los prejuicios, ambos han perdido a alguien muy importante en sus vidas. Y el encuentro tiene lugar en las afueras de la ciudad, en el mismo lugar donde arrancaba la película. O no, bueno, a eso vamos...

Al problema del difícil acceso a (al menos a cierta parte) de la filmografía de Cavallone, hemos de añadir que de “Afrika” hemos visionado tres versiones distintas con montajes alterados, y donde el metraje varía de una a otra. Una primera versión italiana, la que hasta hace relativamente poco circulaba, estaba sacada de un super 8, hasta que en enero de 2008 se dio un homenaje al realizador en Roma y se pasó una versión bastante más larga y ya en 35 mm. A las que hay que añadir el montaje internacional doblado al ingles (con la voz de Edmund Purdom y John Steiner para los personajes principales de Philip y Frank) con algunos insertos y metraje aligerado principalmente de la parte final, y que fue la que conoció distribución videográfica en España por Royal Video. Vamos a intentar analizar cuáles son las principales diferencias y en qué afecta uno u otro montaje. Empecemos, qué mejor, por el principio. Los montajes italianos arrancan con un prólogo donde Philip, en un coche conducido por su chofer, ha de parar su marcha por órdenes del ejército. El superior de estos ha de dar el visto bueno para que pueda continuar. Mientras espera, el pintor (y nosotros) es testigo de cómo unos soldados negros torturan y matan a dos muchachas de su misma raza (6). El esperado mando que permite al coche seguir es un tipo blanco y gordo que cuando ve a Philip dice “Ah, pero si es usted blanco, continúe”. Aquel le suelta “Usted también es blanco”, y el otro responde, “Sí, pero me pagan los negros”, dando con la tan amada por el realizador cuestión del colonialismo desde el mismo inicio del film. En el montaje más largo vemos que el orondo y odioso personaje estaba bañándose en el río apaciblemente mientras sus hombres torturaban a las jóvenes de color, y se permite incluso echar una meada. Tras esto empiezan los créditos.

En el montaje internacional, lo comentado lo encontraremos más tarde y más corto que en el italiano, la película comienza con los créditos sobreimpresos sobre negro y una pareja haciendo el amor. A continuación hay un inserto que descubre un trauma de Frank, cuando tiempo atrás, junto a las cataratas del Treja, el joven estaba con una muchacha besándose apasionadamente, mientras eran espiados por un tipo entre la maleza. Cuando todo se va calentando, el intruso decide pasar a la acción y, después de golpear al chico y dejarlo fuera de combate, forcejea con la chavala y la viola. Al despertar Frank y ver el panorama, aturdido y avergonzado decide irse.También el primer encuentro entre los dos futuros amantes en la biblioteca, donde se nos desvela la pasión de ambos por la poesía (algo de homosexuales, según los personajes más gárrulos de la película), cambia sustancialmente perdiendo metraje en la edición de super 8. Otro de los momentos alterados es la vejación y violación de Frank a cargo de sus compañeros de escuela. En al versión italiana más larga presenciamos como Jeanne les sigue para dar con ellos cuando todo ya ha terminado e intenta consolar a Frank. Sin embargo, por motivos de censura, la sodomía está cortada casi por completo. En la de super 8 no aparece la hermana del agredido pero contiene la parte del estupro más completa de todas, e incluso se le ve el miembro del agresor cuando éste se baja los pantalones. La versión internacional está a medio camino entre estas dos.

Igualmente, otra de las escenas más importantes de la trama presenta notables diferencias en los tres montajes. Nos referimos a cuando Shirley le pide a Frank que le frote la espalda mientras se baña y Philip se interpone. La cuestión acaba con la exuberante mujer suplicando sexo a su marido, y éste, aunque lo intenta, es incapaz y acaba llorando frente a la ira de la mujer que le suelta “No puedes soportar ser amado”. En la edición italiana más larga, la parte sexual está amputada nuevamente por cuestiones de censura, en la de super 8 está íntegra, y la internacional incluye un nuevo inserto, donde Philip recuerda cuando de niño sorprendió a su madre en la cama con un negro, llegó su padre y tras estrangular al amante de color de su esposa, le corta el pene con un cuchillo para arrojárselo con desprecio a aquella (7). En este flash-back, al igual que en el del inicio de Frank, se intentaba explicar, para una mejor distribución de la cinta, las causas de la homosexualidad de los dos protagonistas. Estos añadidos, aunque poseen una fotografía más agresiva y colorista, fueron rodados por Cavallone para el montaje internacional, del que, parece ser, se ocupó más Guidotti que Cavallone, y que fueron idea del realizador y el otro productor, Chimenz. La visita de Frank a su hermana en la clínica de leprosos donde ella trabaja está aligerada en la versión de super 8.

Del mismo modo los momentos en que ambos amantes se abrazan dando muestras del cariño que se tienen presentan alteraciones, siendo el italiano de 35 mm el más explícito, el internacional muestra uno de los momentos, y prácticamente han desaparecido en el super 8. Pero los cambios y cortes más significativos (junto a los añadidos comentados más arriba) los tenemos en el weekend orquestado por Shirley en la selva, mucho más largo en la versión italiana, muy recortado en la internacional, y la más breve la de super 8. En la más extensa el matrimonio vuelve a la casa donde pasó la luna de miel, llena de muñecas rotas (en un precioso símil) y Philip, rechazando la situación se pone a pintar las paredes. También Shirley intenta, frustradamente, hacer el amor otra vez con su marido para finalmente buscar otro amante con quien pasar la noche. Y la despedida de los esposos es más larga y explícita en palabras. El montaje internacional, por su parte, incluye insertos fotográficos de cacerías, ídolos del lugar, etc... y otra vez se incluyen partes del ya mencionado flash-back de la infancia de Philip durante la cena del adinerado grupo entre una tribu local. E incluso se añaden (también con una fotografía más dura) imágenes de Frank, dando a entender que pese a la lejanía sigue en la mente de Philip. El aligerar el metraje de esta parte hace que el ritmo de la película sea más dinámico en la versión internacional que en la italiana, y en ambas queda claro que entre el matrimonio todo está perdido por mucho que se empeñe ella en intentar recuperarlo, que parece más una cuestión de orgullo y poder que de amor. Por si alguien se pregunta si hubo alguna versión con material hardcore (nada raro esos años), Maurizio Centini y Gianni Xaiz, director de fotografía y operador respectivamente, recuerdan las escenas eróticas comentadas, pero no que se rodara material hard. Algo que en el cine de Cavallone empezaría, parece ser, a partir de “Zelda” (1974), su siguiente película, para su distribución francesa.

Pero para entonces, Cavallone había dejado de ser un cineasta con tirón en la taquilla, y en lugar de hacer filmes más accesibles, se radicalizó. A la abortada “Maldoror” (1977) seguirían obras mucho más personales, como la magistral “El hombre, la mujer y la bestia” (1977), la alucinada “Blue movie” (1978), relegada al circuito del triple X por sus breves momentos con sexo explícito, o la en su día poco vista “Blow job” (1981). Siguió la impersonal y alimenticia “La gemella erótica” (1980). Además, bajo el pseudónimo de Baron Corvo dirigió una “trilogía” porno compuesta por “Pat una donna particulare”, “Il nano erotico”/”Baby sitter” y “...E il terzo gode”, todas rodadas prácticamente a la vez en el verano de 1981, con un reducido equipo, un cast italo-francés y con presupuestos paupérrimos. Después se sabe a ciencia cierta que dirigió “Los forjadores del mundo” (1983), y Luigi Cozzi contaba que aquél supervisaba doblajes para filmes X extranjeros durante los primeros 80 y que trabajó para Cicciolina. Además corren rumores de que entre el 84 y 85 rodó algunos pornos de los que nada más se sabe. En 1997, tras una entrevista para la revista italiana “Nocturno Cinema” para su número de septiembre (8), con la ayuda de Manlio Gomarasca y Davide Pulici, cofundadores de ésta, Cavallone empezó a trabajar en el guión de “Internet Story” un escabroso thriller que supondría su regreso tras las cámaras. Pero por desgracia murió el 12 de noviembre de ese año. Aún queda mucho por descubrir de este realizador, lo que sí queremos desde aquí es reivindicar la obra y el talento de un director tan iconoclasta y radical como Alberto Cavallone (9). Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Tras la inédita “Londato dagli occhi”.

(2) También aparecía un personaje homosexual, aunque sin mucha importancia en la trama, en la previa “Síndrome infernal”, con una mirada despectiva hacia éste propia del momento. Para la izquierda de la época, y muchos de los realizadores italianos (Lizzani, Sollima....) militaban en ésta, la homosexualidad era una degradación propia del sistema capitalista, por lo que su representación solía ser de villanos viciosos o de víctimas propicias en un buen puñado de giallos, spaghetti-westerns, poliziescos, etc... cuando no retratados de manera totalmente bufa en no pocas comedias a cargo de Renzo Montagnani, Lino Banfi, Tomas Milian, etc... “Afrika” tendría una respuesta regular en taquilla (aunque mejor que el estrepitoso fracaso de “Síndrome infernal”), achacado por la crítica italiana al peliagudo en su día tema de la homosexualidad masculina.

(3) Un nombre que le resultará familiar a los seguidores del cine de género italiano en su edad de oro. En el currículum del actor se hayan títulos como “Las perversiones sexuales de una chica llamada Julio” (1970) de Tonino Valerii, “La muerte acaricia a medianoche” (1972) de Luciano Ercoli (1972), “La flor de los pétalos de acero” (1973) de Gianfranco Piccioli, “Ciak, si muore” (1974) de Mario Moroni, o “Garganta profunda negra” (1976) de Guido Zurli.

(4) El cambio de sexo ya aparecía en “Quickly, spari e baci a colazione”, si bien de forma cómica y descabellada en el rocambolesco y sin sentido desenlace de ésta.

(5) Entre los que se encuentra uno de los productores de la cinta, Pier Latino Guidotti, bajo el pseudónimo de Peter Belphet.

(6) Al final, cuando Jeanne confiesa desesperada a Philip su decisiva participación en la muerte de Frank y ambos se alejan en sus coches para, seguramente, no volver a verse jamás, nos percatamos que estamos donde se iniciaba la cinta y uno de los soldados sonríe sentado junto a los cadáveres de las dos muchachas negras.

(7) Escena que nos remite al comienzo de “Le salamandre”.

(8) “Il dolce mattatoio. Incontro con Alberto Cavallone”. Nocturno Cinema, número 4, septiembre de 1997.

(9) Pese a lo inadvertido que ha pasado estos años, una parte importante de la filmografía del realizador conoció edición videográfica en nuestro país en los geniales tiempos del boom del magnetoscopio. “Afrika”, ya lo hemos visto antes, la sacó Royal Vídeo, y también se editaron en la piel de toro “Síndrome infernal” por Vídeo Mares, “El hombre, la mujer y la bestia” por Video Popular S.A/VIPOSA, Bomb Vídeo sacó “Zelda” ( y hay quien dice que hubo otra edición con más metraje en el mercado español), “Los forjadores del mundo”/”I padroni del mondo” (1983) la publicó Minister Vídeo, y Vídeocadena S.A hizo lo propio con “Baby sitter” (como clasificada “S” con el sexo explícito amputado).... Y aunque no las hemos podido corroborar, ciertas fuentes aseguran que hubo ediciones españolas de “Le salamandre” por parte de Royal Vídeo, y que “Quickly, spari e baci a colazione” salió como “Disparos y besos a desayuno”.

IMAGENES DE LA VERSIÓN INTERNACIONAL NO EN LA VERSIÓN ITALIANA

El niño ve a su madre con otro hombre

Llega el marido y lo estrangula

Le corta el miembro con un cuchillo y se lo lanza a la mujer

La mujer con el miembro encima de su cuerpo

Un tipo observa como una pareja hace el amor

Le pega una paliza al joven y viola a la mujer

AVANCE DE SITGES 2009

2009-09-21T17:50:00.033+02:00

Avance Sitges 2009 por : Daniel Font

Un año más, el otoño nos anuncia la llegada del Festival de Sitges, el acontecimiento cinéfilo más importante del calendario para todos los seguidores del fantástico, una cita imprescindible para cualquier fan del género que se precie y que este año estará dedicado a la recordada Alien, de Ridley Scott, una cinta mítica, de la que se proyectará el montaje preferido del director. Aliens al margen, la verdad es que este Sitges 2009 promete la habitual dosis de zombis, vampiros, asesinos en serie, científicos malvados y sustos en abundancia que seguro harán las delicias de los amantes del género; pero también mucho más.

Vincenzo Natali, el recordado autor de Cube, presenta Splice, una historia con un científico demente que pretende evolucionar la mente humana a través de la biogenética. No podía faltar tampoco la cuota de cine asiático con Accidente, un thriller urbano de Soi Cheang, que es una de las apuestas más destacadas junto con Brillante Mendoza, premio al mejor director en el último Cannes, que presenta Kinatay, una producción franco-filipina que nos muestra con todo lujo de detalles un secuestro... En esta edición del festival también nos reencontraremos con algunos autores de los que hacía tiempo que teníamos ganas de saber cosas: Phillip Ridley, firmante de la inquietante La piel que brilla, presenta Heartless, o la odisea paranoica de un fotógrafo al que le salen extrañas marcas en la piel; Gaspar Noé (Irreversible) intentará volver a impactar con su Enter the void; y a ellos se sumaran las nuevas películas de Werner Herzog o Takashi Miike, además de dos sangrientas adaptaciones de Clive Barker.

Pero no todo es ha de ser terror foráneo en Sitges. Así, abre el fuego el festival con la trepidante REC 2, de Jaume Balagueró i Paco Plaza, fuera de competición pero con ganas de gustar con esta secuela tanto o más que con su debut en el mundo del cine. Sustos y sangre asegurados. La apuesta española se completa con un miniciclo de películas españolas fantásticas contemporáneas que no hay que dejar escapar, la selección incluye perlas que abarcan tres décadas: desde los 70 (Bruja, más que bruja, de Fernando Fernán-Gómez o Vampyres, Las hijas de Drácula, de José Ramón Larraz), los 80 (Cada ver es, de Ángel García del Val) a los 90 (La madre muerta, de Juanma Bajo Ulloa).

Igualmente es imperdonable perderse Zombi 2, Nueva York bajo el terror de los zombis, del gran Lucio Fulci (1979), en el 30 aniversario de su sangriento estreno en Sitges. También tendremos la oportunidad de recuperar una joya como Los ojos sin rostro de Franju, o descubrir a Fernando Méndez, el pionero del horror mexicano, de quien se proyectan dos películas en retrospectiva. Como homenaje destacado, es obligado mencionar el Gran Premio Honorífico que recibirá Malcolm McDowell en reconocimiento a su trayectoria. El recordado Alex DeLarge de La Naranja Mecánica (1971) recogerá el galardón durante la ceremonia de inauguración de Sitges 09.

Y como siempre, será difícil escoger entre el gran número de buenos títulos que conforman la programación. Seguro que muchos de ellos los encontraremos dentro del cine de medianoche y las maratones especializadas, que nos ofrecerán productos extremos, rarezas de directores ya olvidados, malditos y, sin duda, de culto. Esto sólo es una pequeña pincelada de todo lo que ofrece este Sitges 2009, al fin y al cabo todas las secciones, desde la Sección Oficial al legendario Brigadoon, seguro que sorprenderán y harán las delicias de todos los sibaritas que se acerquen hasta la capital del Garraf.

Necronomicon

2009-09-14T18:42:00.009+02:00

Necronomicon - Geträumte Sünden IMDb

Año: 1968 (Alemania - España)
Director: Jesus Franco
Interpretes: Janine Reynaud, Jack Taylor, Adrian Hoven, Howard Vernon, Michel Lemoine, Nathalie Nort.

Sinopsis: Una Stripper de un club nocturno vive dentro de un sueño sin distinguir entre la realidad y la ficción. Sus alucinaciones se suceden en un mundo onírico de placer y dolor, donde los asesinatos y el erotismo se entremezclan vertiginosamente.

Comentario: Mucho se ha hablado de Jesús Franco, admirado, odiado o simplemente amado por muchos que lo consideran un rebelde del sistema. Otros piensan que simplemente es un chapucero que con mucha cara se gana las habichuelas en el cine. Sea como sea la única verdad es que su nombre es de los más comentados dentro de la serie "b" española, convirtiéndose en un personaje principal dentro de la cultura de la explotación encarnándose abanderado de la rebeldía. Particularmente su trabajo en una filmografía adornada por el centenar largo de films de todo tipo, Terror, Pornografía, Bélicas, comedias etc.… me sigue causando grandes confusiones.

En los 60 rueda "Miss Muerte", "Gritos en la noche" o "La mano de un hombre muerto", todas ellas con Howard Vernon. Se puede considerar una época con más luces que sombras donde empieza a destacar un autor malsano ciertamente atrevido con buenas ideas en películas rodadas de forma notable. Lo que viene después es una lamentable sucesión de títulos que echarían a perder sus buenas vibraciones cuando empezaba su carrera. "El ataque de las vampiras" con otro de sus actores fetiches Jack Taylor sus filmes pornográficos de pésimo gusto o su último estreno en cines la lamentable "Killer Barbies" nos deja siempre la duda de cómo lo podía hacer tan bien antes y tan mal después. ¿Falta de talento? ¿O tal vez se acomoda en ganar dinero fácil rodando sin parar?. Siempre e creído que el Tío Jess encontró la forma de hacer lo que le gustaba trabajando sin parar, evidentemente un alto ritmo de rodajes por año no permiten concentrarse debidamente entregando cada vez peores propuestas que sin embargo le llenaban los bolsillos sin arriesgar demasiado.

Una pena pues esa decisión nos privaba de sus dotes demostradas por ejemplo en este "Necronomicon" que según cuentan fascinaba al maestro Fritz Lang que no dudaba en felicitar al español en un pase en Berlín. Más adelante en el cine de por ejemplo David Lynch se encuentran connotaciones de esta obra. No en vano se nos ofrece un viaje fascinante en el interior de la mente, un maremágnum hipnótico de imágenes oscuras llenas de sexo, sadomasoquismo y perversión que nos muestra una apuesta valiente de las obsesiones de su creador. Seduce al mismo tiempo que incomoda. Jannine Reynaud es el succubo y los pacientes espectadores nos rendimos a ella una y otra vez, porque el cine cuando es cine nos invita a continuadas revisiones. La fotografía es bella mostrando la parte onírica de los sueños confundidos por una realidad extrema. Los actores fetiches de Jess, Howard Vernon y Jack Taylor orquestan sus mejores papeles de sus carreras. La banda sonora es envolvente en la extrañeza de un guión que bascula en varios sentidos. Siendo su mayor hándicap algunos Zooms marca de la casa siempre tan criticados en la filmografía del español y su ritmo demasiado denso que en ocasiones puede cansar. Con paciencia se puede descubrir una obra con mucho que ofrecer que insisto es un reflejo del posterior trabajo de David Lynch que estoy seguro es fan de este film . Andres Pons

Psychometro: •••••

VIDEO

Los amantes de ultratumba

2009-09-11T09:52:00.003+02:00

Amanti d’oltretomba IMDb

Año: 1965 (Italia)
Director: Mario Caiano
Interpretes: Barbara Steele, Paul Muller, Helga Liné, Laurece Clift, Rik Bataglia.

Sinopsis: 1872, el doctor Stephen finge un viaje a Edimburgo para descubrir a su esposa Muriel liada con un criado. Tras deshacerse de estos y simular la muerte de su mujer como un accidente, planea casarse con la hermanastra de aquella, Jenny, beneficiaria de la herencia de Muriel, para acabar también con la segunda y quedarse con todo el patrimonio, aprovechando que la muchacha ha estado mucho tiempo recluida en una clínica y su salud mental pende de un hilo.

Comentario: Si nos atenemos a la cahierista etiqueta de artesano, ésta le sienta como un guante a Mario Caiano, un realizador que pasaba de un género a otro adaptándose a cada uno de ellos sin ningún problema, y dando buenos resultados en todos ellos: peplum, western, comedias decamerónicas, poliziescos, algún nazi-expoitation... tratándolos todos con gran profesionalidad y corrección, pero sin dejar en ellos una marca que le hiciera reconocer enseguida, como una puesta en escena concreta, un discurso que se repite, etc... por el que se le pudiera calificar como autor. Un director dúctil cuya versatilidad y capacidad de adaptación quedan bien patentes si comparamos que “Las pistolas no discuten” (1964) o “Una tumba para el sheriff” (1965) muestran claras influencias del cine del oeste norteamericano (1), mientras que “Un tren para Durango” (1968) o “Mi nombre es Shangai Joe” (1972), una vez Leone ha marcado las nuevas pautas a seguir del género en Italia consagradas por Sergio Corbucci con “Django” (1966), son ya evidentes spaghetti-westerns.

En 1965, con el auge del terror gótico italiano instaurado, en forma y contenido, por Mario Bava y Riccardo Freda, Caiano dirige, con el pseudónimo de Allan Grünewald, “Los amantes de ultratumba”, protagonizada por la británica Barbara Steele, el rostro por antonomasia del género merced a los dos grandes títulos del mismo: “La máscara del Demonio” (1960) de Bava, y “El horrible secreto del dorctor Hicock” (1962) de Freda. Dándole a la actriz además un doble papel, el de Muriel, la esposa adúltera asesinada, y el de Jenny, la hermanastra de aquella. La primera morena y la segunda rubia. Al igual que en el mencionado film de Bava encarnaba los roles de Asia, la bruja, y de Katia, la virginal e inocente descendiente de la anterior. Y a este tenor en la cinta de Caiano, una es malvada, Muriel, que vuelve de la muerte para reclamar venganza, y otra buena, Jenny, que sufre los ataques de los fantasmas y de su marido, el doctor Stephen (Paul Muller), y la amante de éste, la criada Solange (Helga Liné). Y la Steele vuelve a cambiar de registros sus facciones, como tan bien sabía hacer ella, dependiendo de si interpreta a una o a otra. Una vez más, como en “La máscara del Demonio”, la Steele malvada está cargada de locura y vicios (señal de identidad de los villanos del gótico italiano), en este caso la lujuria, y regresa ansiosa de venganza, exteriorizando esa maldad en forma de deformidad en una parte de su cara, que oculta con el cabello, y nos retrotrae a la Asia del fundacional film de Bava, con su faz agujereada por la letal máscara del título.

De cuidada escenografía, Caiano recurre en el guión, aclimatándose a los cánones del género, a un relato de innegable aroma anglosajón a cuento de fantasmas, sin por ello renegar a la brujería, el vampirismo (2), la sexualidad del mal y un refinado sadomasoquismo que incluye no pocos elementos de tortura: El celoso doctor Stephen, al descubrir a s Muriel y al criado David (Rik Bataglia) en el ajo, no sólo acabará con las vidas de los amantes, sino que antes se dedica a torturarlos y deleitarse con ello, arrojando ácido a su infiel esposa, electrocutando a ambos, flagelándolos a latigazos, matándolos de sed o quemándolos con un hierro candente, entre otras delicias. Y una vez más nos encontramos con una alta clase social en decadencia, un presente roído por un pasado cargado de depravaciones que se manifiesta en forma de vengativos espectros.

La parte más floja de la cinta está en el guión, en el personaje del doctor Derek Joyce (Laurence Clift), quien tratara a Jenny durante mucho tiempo en la clínica mental y sabe mejor que nadie que la capacidad mental de su antigua paciente es bien precaria, pero la cree de primera cuando ella le cuenta la historia de los fantasmas en lugar de aceptar las teorías más lógicas del malvado doctor Stephen (aunque falsas). La actuación del doctor Joyce será decisiva para salvar a Jenny, pero la parte de este personaje es lo más inocuo de la película. Es lo de menos, los fans del terror gótico italiano se deleitarán con la estupenda fotografía a blanco y negro, la banda sonora de Morricone, el evidente fetichismo del que hace gala, su atmósfera malsana, el imponente escenario gótico (castillo incluido), y esos perversos personajes que poblaron el horror italiano (y mediterráneo) en sus mejores momentos.

Además de disfrutar con la siempre grata presencia de dos eternas del cine de género europeo, la perturbadora Steele y una Helga Liné por entonces metida de lleno en todo tipo de cine popular en Italia y a unos años de aterrizar en nuestro país para encarnar papeles de mujeres fuertes (y principalmente malvadas) en el fantaterror español. Comentaba el propio director que guardaba muy buen recuerdo de este film para el que contó con la inquietante Barbara Steele, que escribió junto a Fabio De Agostini, y que pretendió filmar en tres colores: blanco, negro y rojo (3), pero que por motivos de presupuesto no pudo ser, teniendo que conformarse con rodarla a blanco y negro (4)

La edición que hemos visto es la que emitieron en el programa Filmoteca, conducido por Fernando Martín Peña y Fabio Manés, de la televisión argentina, en una copia para TV restaurada con un metraje más largo que el que se estrenó en cines, con todas las escenas de asesinatos tal cual se rodaron y que luego la censura se encargó de mutilar. Ahora bien, retomando lo que decíamos al principio de estas líneas, nos negamos a acatar la ya caduca e inexacta definición francesa del director artesano (5), y preferimos calificar a Mario Cainao como un autor del cine de género, con una amplia y estupenda filmografía a redescubrir. Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Curiosamente, “Por un puñado de dólares” (1964), se rodó como un film menor aprovechando decorados, vestuario y demás de “Las pistolas no discuten”, esta ultima fué protagonizada por el canadiense Rod Cameron. La de Leone era la película más barata que se rodaba para aprovechar la infraestructura de la más importante, la de Caiano. El tiempo le daría la vuelta a la cuestión.

(2) En este caso además de una forma original fusionando el vampirismo con la ciencia: el doctor Stephen le introduce a su amante Solange sangre en su laboratorio para mantenerla permanentemente joven. Pero ésta necesita transfusiones constantes para que no pasen los efectos y, una vez usada la sangre de Muriel, querrán apropiarse de la de Jenny.

(3) El rojo, evidentemente, para resaltar la sangre. De todos modos, la censura se cebó de los momentos más crudos y el rojo hubiera desaparecido de la pantalla en buena parte.

(4) Declaraciones del realizador en el capítulo 5, “Nunca he rodado en la Tierra”, de la serie documental “Érase una vez en Europa” (2001), dirigida por Manel Mayol y Carles Prats.

(5) Además de beneficiar a unos directores frente a otros, a veces de forma injusta, diferenciando entre autores y artesanos, hay que tener en cuenta que muchos de los realizadores que los de Cahiers etiquetaron de una u otra manera pertenecían a la era dorada de los grandes estudios, cuando los filmes tenían más la huella del productor y la major en cuestión que del director.

Anticristo

2009-09-01T11:25:00.045+02:00

Antichrist IMDb

Año: 2009 (Dinamarca, Francia, Alemania, Suecia, Polonia,Italia)
Director: Lars von Trier
Interpretes: Charlotte Gainsbourg, Willem Dafoe

Sinopsis: “Edén” es el nombre de la cabaña de campo donde va a curar sus penas un matrimonio que ha perdido a su hijo en un desgraciado accidente. Como si de una terapia psicológica fuese, los dos sacan al exterior su instinto más visceral.

Comentario: Recuerdo perfectamente cuando hace tiempo leí en una revista cinematográfica que el danés Lars von Trier estaba dirigiendo una peli de terror con el contundente titulo de “Antichrist”; pensé para mis adentros que con que carajo nos sorprendería el tipo que ha reinventado el cine con el “Movimiento Dogma’95”, que ha experimentado con todo tipo de genero, desde el policiaco, el drama e incluso el musical. También recuerdo cuando “Anticristo” se exhibió en Cannes y cuando en un ataque de soberbia von Trier dijo que él era el mejor director del mundo; aún habiendo tenido el más que merecido premio a la mejor actriz (increíble Charlotte Gainsbourg), la crítica se cebó con el film y lo machacó sin piedad alguna. Y después de unos meses de larga espera he podido disfrutar del polémico “Anticristo” y es sencillamente otra "Obra maestra" que ha filmado el autor de “Epidemic” (léase critica también en este blog). Tras una simplona historia, el realizador demuestra como hay que coger una idea y tras una vuelta de tuerca realizar una autentica película que mezcla el mejor terror psicológico con el más macabro y terrible porno/gore al estilo del alemán Buttgereit. Como podéis leer no me recreo en el argumento, quiero que os dejéis llevar por un cineasta que esta por encima del bien y del mal. Solo tenéis que juzgar por vosotros mismos. Javier Castellanos

Psychometro: •••••

TRAILER

ENTREVISTA CON ANTONIO NAVARRO

2009-09-01T10:25:00.001+02:00

ENTREVISTA CON ANTONIO NAVARRO UNO DE LOS DIRECTORES DEL FILM MALDITO "DELIRIUM"

¿Cómo fue la concepción de “Delirium”? ¿De quién fue la idea de éste?

Tras rodar el corto “Nostalgia de comedia muda”, en nuestra productora “El Regador Regado” nos propusimos hacer algo más ambicioso. La productora se concibió como la única alternativa a la falta de prácticas en la facultad de imagen por parte de un numeroso grupo de alumnos. En aquellos últimos años setenta y primeros ochenta no había escuelas de cine y casi la única opción para formarse en los medios audiovisuales era matricularse en ese monstruo híbrido, informe, insensato e inútil que fue la rama de imagen de la facultad de ciencias de la información. El grupo original que produjo y rodó “Nostalgia” se desmembró, por diversas razones, tras finalizar el corto. A la debacle sobrevivimos un núcleo de cuatro personas, los “cineastas” (así, con todas las comillas) Javier Reyes, Luis Albors y yo, y el actor José Manuel Martí. Finalmente, a este grupo se incorporó, casi a última hora, Raúl García. La historia se gestó durante infinitas tardes, alrededor de una mesa camilla con brasero y café caliente, en la pensión de la calle San Bernardo de Madrid donde vivía Martí. La idea originaria siempre fue la de hacer un largometraje divisible en varios segmentos que tuviesen vida propia pero también sentido de conjunto. Era la forma que se nos ocurrió para que cada uno de esos segmentos se pudiese rodar, por cada uno de los directores, con total independencia. Dimos con esas historias que se sucedían con la estructura de unas muñecas rusas y que compartían un pequeño y débil esqueleto común (la historia del autor teatral) tras un largo y extenuante proceso de “brainstorming” que consistía, básicamente, en que cada cual aportaba sus ideas y los demás las destrozaban. El problema era que formábamos un grupo tan heterogéneo que, ahora que lo medito, fue realmente milagroso que pudiésemos llegar a algún pacto. Para mi parte recuerdo que propuse decenas de argumentos distintos (casi tantos como magdalenas “El Zángano” nos comimos en aquella mesa camilla) hasta que pudimos llegar a un acuerdo. Por ejemplo: de entre ellos, recuerdo vivamente que quise hacer, con mi segmento, una revisión del mito de El Golem en el tiempo actual. Finalmente decidimos que debíamos ajustarnos a una adaptación de una pieza literaria que todos “respetásemos”. Así es como entraron en juego los textos de Shakespeare, Borges y Lagerkvist. Una vez establecido esto, lo demás fue “cocina de guión”. Curiosamente, conforme pasan los años (y ya han pasado casi treinta desde aquello) he ido teniendo una visión mucho más clara de aquel periodo que cuando lo estaba viviendo. Todos teníamos (unos más y otros menos) esa falta de humildad y de conocimientos tan típica de los veinte años, aunque, por otro lado, estoy convencido de que gracias a esas dos carencias fue como finalmente conseguimos terminar la película. En cualquier caso, fue una experiencia de aprendizaje profesional y vital enorme.

El film ¿Se estrenó en salas comerciales o sólo se pasó por distintos festivales?

Que yo sepa, nunca hubo un estreno en salas. Se proyectó en la "Seminici" de Valladolid y en "La Mostra de cine Mediterrani" de Valencia de 1983. Supongo que no hubo ningún distribuidor interesado.

¿Cómo fue recibido?

Yo me fui de la proyección de la "Seminci" cuando el público empezó a abuchear y en la rueda de prensa posterior fue literalmente destrozada. La habitual tropa “sesudo-periodístico-festivalera” fue realmente inmisericorde con nosotros y con la peli. Los escasos comentarios positivos que se escucharon, sobre la composición de algunos planos, sobre el ritmo narrativo de algunas secuencias o sobre algún que otro aspecto técnico, se hicieron en un molesto tono paternalista. Realmente, aquellos cuatro “mocosos” nos quedamos fuera de juego. Nos pilló muy desprevenidos todo aquello. Al menos a mí.

¿Qué veíais que faltaba en el cine de español de aquellos años? ¿Y qué queríais aportar vosotros?

El cine español de entonces era mucho más cutre que el de hoy (no es de extrañar: la sociedad entera era en realidad muy cutre y muy casposa entonces. Franco había muerto no hacía mucho) aunque su mayor carencia era lo que aún hoy falta: espectadores en las salas. En general, creo que a nosotros no nos interesaba mucho el cine español que se hacía entonces, aunque, como te dije, éramos un grupo de gente demasiado diverso como para poder hacer una valoración única… Quizás compartíamos el no habernos sentido nunca partícipes de la famosa “movida madrileña”, aunque convivimos con ella. Nunca llegué a plantearme seriamente qué quería aportar al cine. Conseguir hacer una peli ya era suficientemente “marciano” para un chico como yo, sin dinero y sin tradición familiar en la industria, como para, además, sentirme abanderado de algo. Yo, básicamente, quería contar las historias que me rondaban por la cabeza, que desde luego no eran el tipo de historias que solían contar los cineastas españoles del momento. Con alguna excepción: recuerdo, por ejemplo, que "Bilbao", de Bigas Luna, o "Arrebato" de Ivan Zulueta fueron todo un descubrimiento.

¿Qué tipo de cine te interesaba entonces? ¿Y ahora?

De niño tenía una especial querencia por las películas de serie B de ciencia ficción y terror, ahora ya no tanto, aunque aún disfruto con ellas. Lo cierto es que siempre he sido más de películas concretas, incluso de partes de películas, o de algunos aspectos concretos de las mismas, que de autores o géneros. Me viene a la mente la secuencia magistral, impresionante, del museo en "Vestida para matar" de Brian De Palma, incrustada en una peli totalmente mediocre, para ilustrar lo que quiero decir. Mi espectro de intereses era, y es, extensísimo: Puedo ir desde "Little shop of horrors" de Roger Corman a "La lista de Schindler" de Spielberg sin despeinarme; desde "Bilbao" de Bigas Luna a "Terciopelo Azul" de David Lynch; de joyas del cine de serie B de terror o ciencia ficción a "2001 una odisea del espacio" de Kubrick o "Con la muerte en los talones" de Hitchcock, de ciertas películas de Pixar a otras de Karel Zeman, de las pelis de efectos especiales animados por Harryhausen al Bergman existencialista, del Antonioni de "Zabriskie point" al Tati de "Playtime", del cine mudo alemán (en realidad, todo el cine mudo me apasiona) a Miyazaki, de "La vida soñada de los ángeles" de Zonca, a "La edad de la inocencia" de Scorsese… por suerte ese espíritu ecléctico me ha durado hasta estos días, aunque con los años he puesto en cuestión a algunas de mis viejas querencias. Por ejemplo: creo que casi todo el cine de Spielberg ha envejecido mal. Aunque haya rodado algunos de los momentos cinematográficos más impresionantes que recuerdo, suelen formar parte de verdaderos pufos. El ejemplo perfecto para ilustrar lo que digo es la primera apabullante, indescriptible, perfecta media hora del “Soldado Ryan” junto al resto tan patético de la misma película. Aunque con los años, claro, he ido añadiendo y eliminando películas a mi lista de querencias, soy (a otro ritmo) el mismo insaciable consumidor de películas que era a los veinte años. Además, con el cine me ocurre como con la literatura o los tebeos: Me da igual el género o su procedencia. Los géneros son una simple excusa, un recurso narrativo más. Lo importante es contar bien los sentimientos, en esa labor es en la que hay que afinar técnicas y conocimientos. El cine es un arte de emociones. Me interesan las historias en las que personajes y tramas están resueltos de forma verosímil y poco predecible. Considero intranscendente que las cosas pasen en la fría “atmósfera cero” del espacio exterior o bajo los calores del mediodía de un pueblo del oeste americano. Lo importante es, por seguir con el mismo ejemplo, emocionarse con el valor de un hombre comprometido con la justicia. Me interesan los cineastas que llevan a la pantalla personajes complejos, con muchas aristas y que lo hacen ocultando con habilidad sus trucos de narrador, que dan correcta y hábilmente las pistas de los universos que crean y nos sumergen en ellos sin que podamos hacer otra cosa que seguir la historia que nos cuentan.

Háblanos de ese productor, Papi Domínguez.

Lo de “Papi” era un mote que usábamos, creo recordar que de forma clandestina, por su edad. No sé si él lo llegó a saber en algún momento. El hombre en cuestión es Joaquín Domínguez y tenía (desconozco si aún existe) una productora llamada Tritón P.C. Era un viejo currante del negocio del cine que trabajaba ya incluso en los tiempos gloriosos de Samuel Bronston, etc. y que, cuando contactamos con él, se dedicaba a distribuir cine “S”. Yo creo que se asoció con nosotros con el único propósito de conseguir licencias de distribución con nuestra película. Era un gran amigo de Amando de Osorio y gracias a ello pude visitar el estudio en el que rodaba sus efectos especiales. Por ejemplo: puedo dar fe de que "La serpiente de mar" que quería cargarse Ray Milland era un calcetín con dos pelotas de ping pong como ojos. Con Domínguez llegamos a un acuerdo de coproducción: Nosotros (“El Regador Regado”) aportaríamos todo lo necesario en términos creativos, y de producción hasta la impresión del negativo, y su productora, Tritón, aportaría los medios de posproducción hasta la copia Standard, o sea: Salas de montaje, doblaje, sonorización, mezcla de sonido, laboratorio, etc...Nos reunimos sólo un par de veces en su despacho, ya que siempre nos citaba en la barra de una marisquería de la Gran Vía que estaba cerca del mismo. Hay una cosa que agradecerle: nunca hubiésemos terminado la peli si no fuera por sus habilidades para conseguir las cosas a las que se comprometió, aunque nunca pensamos que lo hacía con dinero real. Un ejemplo de lo que quiero decir: de la despampanante moviola horizontal de muchas pistas con la que empezamos a montar la película fuimos transitando, conforme pasaban las semanas, por moviolas cada vez más cutres hasta Terminar el montaje en una a pedales, como la que debió usar Charles Chaplin para montar La quimera del oro, encerrados en un cuartucho de almacenaje del estudio. Yo sospecho que nunca pagó nada por el alquiler de las salas de montaje o sonorización, ni al laboratorio, pero el tipo consiguió que le fiasen hasta que terminamos el trabajo… Lo que desde luego no estaba previsto es que Domínguez vendiese los derechos de explotación en video de forma pirata, por su cuenta, y sin consultar con nadie. Por casualidad, yo descubrí el VHS en un videoclub de mi barrio. Esa carátula tan horriblemente “Sanjulianesca”, llena de nazis junto a la palabra “Delirium”, consiguió ponerme la piel de gallina.

¿Es esa edición de video de Rompeolas la misma que se proyectaba en salas, o tenía alguna variación de metraje?

Es la misma versión

¿Por qué esa fijación con Shakespeare en la película?

Usar “Romeo y Julieta” fue una idea de Javier Reyes para su sección de la película. Él quería contar la historia de la actriz muerta que, estando en el “más allá”, siente la presencia de su amante vivo, como si el vivo, en el mundo de los muertos, fuese un espectro. El texto de Shakespeare servía, de alguna manera, para facilitar el encuentro de los personajes. Si te fijas, en realidad es la misma idea de “Los Otros” de Amenábar, pero me temo que en mucho más cutre. Desde luego, descarto que Amenábar haya visto nuestra peli.

¿Por qué “Delirium” no tuvo continuidad? ¿No os picó el gusanillo seguir por esa vía?

Yo abandoné la productora tras "Delirium" por diversos motivos: Aquel grupo era en realidad una suma de individualidades difícilmente compatibles. Teníamos serias divergencias sobre cuáles debían ser los proyectos que seguirían a Delirium. Además, me di cuenta de que algunos de los miembros del grupo, aunque parecían sentirse muy felices cuando el resto colaborábamos en sus proyectos (con nuestro tiempo y con nuestro dinero) nunca hacían lo propio con los proyectos de los demás. El rodaje fue una prueba de fuego. Fue realmente muy duro, y la gente se termina por retratar en situaciones límite. Por ejemplo: durante muchos meses, incluso ya iniciado el rodaje, mientras Reyes estaba rodando su parte, yo tuve que trabajar pintando fondos para series de animación de televisión americanas y así ganar el dinero que necesitábamos para pagar película virgen, material de iluminación, comidas en el set… Cuando llegué a rodar mi parte, me enteré de que Javier Reyes había consumido, él solo, el 75% de toda la película virgen que se había podido comprar. Además, se había enemistado (incluso llegando a la violencia física) con todo el equipo de cámara e iluminación que, por otro lado, trabajaban para él sin cobrar un duro. Reyes era un gran divo y pensaba que el resto del universo debía estar a su servicio. El set al que llegué no era el lugar de ensueño que yo imaginaba cada día sobre mi tablero de dibujo. Aquel lugar era una pesadilla. Yo, que rodé tras él, terminé haciéndolo con una relación de “negativo virgen-material utilizable” de 1 a 1 para que los dos directores que venían tras de mí pudiesen rodar su parte, al menos, con los mismos metros de negativo que yo. Es decir: Llegó un momento en el que, verdaderamente, yo no podía repetir una sola toma porque no había negativo para hacerlo. En otras palabras: si me encontraba con un problema en la toma, fuese este por el motivo que fuese, tenía que eliminar ese plano del montaje…En el lado positivo: con esa experiencia aprendí sobre cine y sobre la gente del cine más que en cinco años de carrera… Pero preferí seguir aprendiendo de otra manera.

¿Qué nos puedes contar de tus otros trabajos en la realización?

Desde los tiempos de Delirium, de una forma u otra, no he dejado de contar historias con imágenes. Debido a mi interés por el dibujo, mi carrera profesional me ha llevado a lugares muy largamente, muy vocacionalmente apetecidos, como los cómics, y a otros para mí realmente insospechados y “alimenticios”, como el cine de animación comercial. Con los cómics he podido contar historias, controlándolas desde la concepción al resultado final. Con el cine de animación comercial he podido pagar facturas. Trabajé en la cinematografía de algunos largometrajes de la productora Disney durante “mis años californianos”, realizando workbooks y layouts (que son diversas fases de la producción de animación en las que se determina, por ejemplo, la puesta en escena, los movimientos de cámara, la edición, la iluminación, el diseño, etc. de cada plano…), y también he dirigido un largometraje de animación (de gran presupuesto para los standards europeos) llamado “Los Reyes Magos”. Fue quizás el encargo más extenuante y poco gratificante que he aceptado nunca. Hablarte sólo de las experiencias vividas durante los tres años de rodaje de esa película nos podría llevar tres entrevistas como esta… Te lo resumiré así: imagina un enorme, viejo, pasado de moda galeón que naufragaba en medio de la mayor tormenta. El capitán que lo gobierna es tirado por la borda, por inepto, por el armador. El barco, además, está lleno de tripulantes, con familias a las que alimentar. Se encuentran en medio del océano, a la misma distancia del puerto de origen que el de destino. Recibí una llamada preguntándome si quería yo llevarlo a puerto (seguramente por la única razón de mi experiencia con el armador Disney). Yo dije sí. A diferencia de las historias que cuentan mis tebeos, ninguno de mis trabajos en animación ha sido “de autor”, sino que han sido comisiones que yo he intentado cumplir lo mejor que me ha sido posible. A pesar de que ahora me parezca muy improbable, no descarto completamente volver a hacer cine, tanto de animación como de “imagen real”, si el proyecto en cuestión, el tiempo, y el resto de circunstancias necesarias, me animasen a intentarlo.

¿Qué fue de tus compañeros en la dirección de “Delirium”? ¿Siguió alguno en el terreno del cine?

Mantengo un cordial (aunque no sé muy bien por qué cada vez más escaso) contacto con Raúl García, que siempre ha transitado mucho más frecuentemente que yo los caminos del cine de animación. De hecho, aunque vive en Los Ángeles es, posiblemente, la figura popularmente más conocida de la industria de animación española, sin duda por sus propios méritos, y también debido a la excelente labor como “agente de prensa” de su mujer, la periodista Rocío Ayuso. El resto de la gente… veamos: …Llegó a mis oídos que, hace ya unos cuantos años, Javier Reyes consiguió que el escritor Sánchez Ferlosio le cediera gratuitamente los derechos de adaptación al cine de su novela "El Jarama". Adaptar esa novela era algo largamente perseguido por muchos cineastas, pero el novelista siempre se había negado. Parece que Reyes fue, una vez más, un hábil embaucador. Aún así, para su desgracia, creo que no consiguió financiación para hacer la película. Ahora creo que es un alto ejecutivo de la producción de informativos de televisión… Supongo que José Manuel Martí seguirá siendo catedrático en la escuela de arte dramático de Sevilla, que es dónde lo dejé la última vez que nos hablamos… Y para concluir con este repaso: la última vez que supe algo de Luis Albors (puede que haga de esto más de 20 años) se dedicaba a asuntos de enseñanza relacionados con el audiovisual.

¿Qué falla en el actual cine español?

En España se hace cine muy malo, pero también cine muy bueno, como en el resto de países. Porcentualmente hablando, en USA se hace muchísima más basura que aquí, y además nos obligan a comerla si queremos deleitarnos con las 6 o 7 únicas verdaderas “delicatessen” que hacen cada año. El gran problema es que el cine español no puede competir industrialmente con el gigante americano. Para llevar a los espectadores a las salas a ver algo distinto a personajes clichés, efectos especiales de parque temático e historias estúpidas y planas, habría que empezar por educar en las escuelas (como con casi todo, por otro lado), tener un poco de imaginación para descubrir nuevos ámbitos de difusión y medios suficientes para publicitarlos. Estoy convencido de que lo digital va a cambiar, para bien, las fórmulas obsoletas, moribundas, de producción y distribución del cine.

¿Qué periodo o qué años te parecen los más interesantes del cine hecho en nuestro país? ¿Qué títulos destacarías?

España ha tenido un muy interesante periodo entre los años 50 y los 60, abanderado por la comedia española de Azcona y Berlanga. El momento actual también creo que es muy brillante… pero no soy historiador del cine y, como te decía, me gusta hablar más de películas concretas que de cineastas, escuelas o periodos. Ahora ya no soy un consumidor de cine tan compulsivo como cuando me encerraba en la filmoteca a ver las cuatro sesiones seguidas, pero puedo hacerte un recuento, así, a bote pronto, sin mucho orden ni concierto, de pelis españolas que me han gustado. Supongo que casi todas son muy obvias: Arrebato de Iván Zulueta; El pisito de Ferreri; El verdugo, Plácido y ¡Vivan los novios! de Berlanga; La buena estrella de Ricardo Franco; El extraño viaje de Fernán Gómez; El día de la bestia de Alex de la Iglesia; Bilbao de Bigas Luna; Carne trémula de Almodóvar; La Torre de los siete jorobados de Edgar Neville; Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto de Díaz Yanes; El sueño del mono loco de Trueba; En la ciudad sin límites de Hernández…

Y de cine extranjero ¿Cuál es tu favorito? ¿Has visto alguna película últimamente que te haya gustado de veras?

Esta pregunta si que tiene una respuesta casi inabarcable… mi memoria ya no es la que era…Lo intento: Promesas de este, Gran Torino, Pequeña miss sunshine, El retorno del rey, Wall-E y Up (aunque, en ambos casos me quedo con la primera parte y no tanto con la final), No es país para viejos, Still walking, Estómago, Big fish….

¿Cuándo y por qué empezaste a interesarte por la animación?

Entré en el mundo de la animación para ganar dinero. En el salto entre los setenta y los ochenta en Madrid había una floreciente industria de servicios para productoras americanas, básicamente para Hanna-Barbera. Así empecé en el estudio Filman, pintando decorados para algunas series de televisión pero, aunque la animación siempre me ha interesado como medio de expresión, realmente nunca me interesó dedicarme a la, llamemos, “animación comercial”, y mucho menos ser un eslabón en su cadena de producción.

¿Qué tareas has desarrollado dentro de este campo?

He hecho de todo, como decía, desde pintar decorados con 18 años, a dirigir un largometraje a los 40. Entremedias de las dos cosas he trabajado sobre todo en lo que en el sector se ha dado en llamar “preproducción”, es decir: Story boards, Layouts, Workbooks y alguna que otra palabra rara más…

¿Cómo fue trabajar para la Dreamworks? ¿Y para Disney?

Nunca trabajé para Dreamworks. Trabajé en el estudio de animación que Spielberg montó en Londres y que se llamó Amblimation. Aunque este estudio fue posteriormente el verdadero germen del estudio californiano de Dreamworks, cuando éste se estaba estableciendo allí yo ya estaba contratado por la competencia, es decir: por Disney. Allí trabajé en las películas Hercules, Tarzán, El emperador y sus locuras y Fantasia 2000; También diseñé algunas cosas para los parques Disneyland. En términos profesionales la experiencia fue enriquecedora, aunque la vida en Los Ángeles nunca me gustó y terminé también muy cansado de trabajar sólo en una sección más dentro del proceso de producción de las películas, a mi me gustaba generar historias, no narrar trocitos de las historias de otros así que, tras cinco años allí, decidí volverme e intentarlo con los tebeos o en cualquier otro medio.

¿Cuáles son tus dibujos animados favoritos de siempre?

Pertenezco a una de las primeras generaciones de niños que crecieron viendo animación en la tele, Chuck Jones, Hanna-Barbera, etc. pero durante décadas Disney ha estado a años luz de cualquier competencia. Mi película Disney favorita es 101 dálmatas, por muchos motivos. Totoro y La princesa Mononoke, de Miyazaki, son otras dos obras maestras. También me vienen a la cabeza El gigante de hierro y, más recientemente, Wall-E y otro buen puñado más de pelis de Pixar, que es el estudio que ahora está marcando los nuevos standards en el medio.

¿Cómo ves los increíbles avances técnicos que se están viviendo en este terreno?

Lo que ocurre ahora en el cine de animación es una revolución en toda regla. No sólo por las posibilidades expresivas que se han abierto en muy poco tiempo con las nuevas tecnologías, sino porque éstas son tan asequibles que cualquier cineasta está ya en condiciones de hacer una película que casi podría competir en la primera liga (claro, si dispone del talento y del tiempo necesarios) con solo poseer un PC y un par de programas de uso muy extendido.

Muchas gracias

Gracias a vosotros

Entrevista realizada por: Alfonso & Miguel Romero

Critica en el blog: http://psychotronickultvideo.blogspot.com/2009/02/delirium.html

Más allá de la muerte

2009-08-20T17:50:00.062+02:00

Más allá de la muerte IMDb

Año: 1986 (España)
Director: Sebastián D'Arbó
Interpretes: Narciso Ibáñez Menta, Tony Isbert, Berta Cabré, Sergio Tula, Xavier Sala, Julissa, Antonio Molino Rojo, Victor Israel, Silvia Solar, Germán Monzó.

Sinopsis: Joahn Moser, aparentemente un psiquiatra interesado en la parapsicología tras la muerte de su mujer, contacta con el profesor Hamerman, un experto en la materia. Pero en realidad aquel es un enviado de una logia nazi para comprobar si el científico es en realidad un antiguo colaborador del III Reich en los experimentos con judíos en un campo de concentración

Comentario: Comentaba Chris Mitchum que dejó de rodar películas en nuestro país cuando, tras la muerte de Franco, aquí sólo interesaba hacer cintas de sexo y filmes contra el recién acabado régimen. Los nuevos aires de libertad permitieron salir de una obligada abstinencia sexual que había durado mucho, y por fin se podían decir cuatro cosas a los antiguos mandatarios. El cine de género, en el que había estado trabajando en Europa el hijo de Robert Mitchum, había perdido el interés del público, y el fantástico español, como el resto de los géneros, veía su horizonte final muy próximo. El mencionado desinterés desde el patio de butacas (ahora perdido entre despelotes varios), el agotamiento del mismo durante la década anterior, un cine norteamericano comercial que llegaba con fuerzas renovadas, más la política contra género de Pilar Miró al frente de la Dirección General de Cinematografía terminaron por dar la puntilla al cine fantástico patrio.

Incluso algunos de sus otrora más dedicados currantes, como Jesús Franco o Paul Naschy, cambiaban de tercio. El viejo Jess se sumía en las clasificadas “S”, donde, por otro lado, exploraría/explotaría en algunas de sus mejores cintas ese onirismo que tan bien se le dio siempre. Naschy por su parte comenzaba la década alternando algunos filmes de género junto con intervenciones en la comedia y el drama. Quizá podríamos considerar un trabajo de éste, “El aullido del diablo” (1987), un largo punto y a parte (que no final) en el fantástico de nuestro país, amén de ajuste de cuentas con el trato de la crítica al cine de terror español en general y, en especial, al del creador de Waldemar Daninsky.

No obstante, y sin invalidar lo dicho hasta ahora, se dieron en los 80 algunos intentos por seguir manteniendo/explotando el fantástico dentro de nuestras fronteras. Uno de los casos más particulares, por lo insólito de su propuesta, fue el del profesor Sebastián D’Arbó que, como no podía ser de otra manera viniendo de él, se decantó por tratar en sus películas la parapsicología, los temas ocultos, la vida tras la muerte... frente a un terror más directo y visceral como el que antaño practicaran Klimovsky o Aured. Su primera película inauguraba la década, “Viaje al más allá” (1980), con Narciso Ibáñez Menta destacando en un reparto coral. Seguirían “El ser” (1982), “Acosada” (1985), “Más allá de la muerte”, y terminaba el decenio con “Cena de asesinos” (1989). Las cuales, según Salvador Sainz, quien interviniera en diversas de ellas, estaban más completas en sus ediciones videográficas que las estrenadas en salas comerciales (1).

“Más allá de la muerte” cerraba la trilogía parapsicológica del director formada por ésta junto a sus dos primeros títulos. “Acosada”, protagonizada por Victoria Vera, era un thriller con elementos de ciencia ficción, originalmente iba a titularse “El hombre que volvió de la muerte”. Para el film aquí tratado se pensó en principio rodarlo en Venecia, una ciudad que se moría pero increíblemente romántica, según su realizador. Se iba a titular “Life after Death (Vida después de la muerte)”. Y para el papel del científico se barajaron nombres como Vincent Price, Peter Cushing, Christopher Lee y Narciso Ibáñez Menta, quien finalmente fuera el elegido, por otro lado un rostro más que habitual en el cine de D’Arbó. También repiten en muy breves papeles Antonio Molino Rojo (inspector de policía), Víctor Israel (conserje) o Salvador Sainz (de estudiante y nazi), este último con su primera frase en el cine, cortada en la versión estrenada en salas. Los otros papeles principales recayeron en Tony Isbert, como el supuesto psiquiatra Joahn Moser, y Berta Cabré como la hija y ayudante del profesor.

D’Arbó compagina una trama de espionaje, con secta masónica de antiguos nazis de por medio, junto a sus queridos temas de viajes al más allá. Basándose, indica, en testimonios reales de gente que aseguraba haber regresado de la muerte. A través del personaje del profesor Hamerman, D’Arbó aprovecha para insistir una vez más en la parapsicología y en la vida tras la muerte. Hamerman, un judío que se vio obligado a ayudar a los nazis en experimentos con los suyos como conejillos de india en un campo de concentración durante la II Gran Guerra (2), fue dado por muerto en la matanza que los soldados del Reich hicieran con los prisioneros del campo.

Ahora ha continuado sus investigaciones buscando prolongar la vida del alma. Y los miembros de una thule nazi sospechan quién es y les resulta incomodo que siga con vida. Con sus nuevos experimentos, el profesor parece intentar redimir el dolor y la muerte que causó a muchos de los suyos. También Joahn intentará exonerarse al final cuando tras enamorarse de la hija del científico, se pone de parte de éste e intenta salvarle. No lo consigue, pero continúa sus investigaciones teniendo éxito y probando que hay vida en el más allá. Con un final muy new-age (no sabemos si de forma intencionada) y concluyendo con la más famosa sentencia de Einstein. La frase publicitaria de la cinta era harto explícita: “¿Es posible viajar al más allá y... volver? Científicamente: ¡Demostrado!”.

Tras ésta se apartaría de nuevo de sus temas predilectos en el thriller “Cena de asesinos”. Quedarían sin ver la luz algunos proyectos de los que hablara tras terminar “Acosada”, como “Latido” (una de terror psicológico) o “La sombra de Hitchcock”, un homenaje al maestro del suspense, o su intención de abordar el cine histórico, aunque tratado desde el suspense. Pero durante todos estos años, el “profesor”, el “teacher” o el “mensajero de lo inexplicable”, como se le ha ido conociendo, ha continuado interesado en el más allá y los fenómenos inexplicables en publicaciones como “Karma-7” o “Mundo misterioso” (3), además de sus apariciones en el conocido espacio televisivo de Cuatro “Cuarto milenio”, conducido por Íker Jiménez. Amén de programas de televisión y radio conducidos por él. Lo último que supimos de D’Arbó fue que llevaba el programa “Misteris” en http://www.rac1.org/. Toda una vida dedicada al más allá. Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Siguiendo con los testimonios de Sainz, la versión de Vincenzo Salviani de “Cena de asesinos” estaba remontada de tal forma que cambiaba todo el sentido, con el añadido de escenas eróticas.

(2) Incluyendo escenas de torturas (que siempre gustan al público) a los prisioneros judíos.

(3) En mayo de 1985 veía la luz el primer (y único) número de la revista Fantastik, un producto de Crisis Editorial, dirigido por Sebastián D’Arbó. Tenían la intención de cubrir el espacio dejado una década atrás por Terror Fantastic, abordando todos los campos del fantástico: cine, tv, comics, libros... y comentaban que su área de distribución cubría, además de España, buena parte de Estados Unidos y Latinoamérica. Encontrábamos en sus páginas un póster del “Terminator” (1984) de James Cameron, junto a artículos del “Starman” (1984) de John Carpenter, “2010. Odisea 2” (1984) de Peter Hyams (al que dedicaban la portada), el Imagfic 85... amén de un reportaje sobre la última película de D’Arbó por entonces, “Acosada”, y una entrevista con el realizador, para el que no faltaban elogios.

Uno de los cameos de Salvador Sainz solo en la edición de video

¡NOS VAMOS DE VACACIONES!

2009-07-06T11:59:00.005+02:00

Psychotronic Kult Video os desea a todos/as que paséis unas magnificas vacaciones.

Regresaremos dentro de dos meses dando mas caña todavía.

Un saludo y salud ante todo.

Psychotronic Kult Video wishes you happy hollydays.

We'll be back in a month.

Greetings to all our visitors.

Desnuda ante el asesino

2009-06-24T17:34:00.048+02:00

Nude per l’assesino IMDb

Año: 1975 (Italia)
Director: Andrea Bianchi
Interpretes: Edwige Fenech, Nino Castelnuovo, Femi Benussi, Solvi Stubbing, Franco Diogene, Erna Schürer, Amanda, Lucio Como, Silvana Depreto.

Sinopsis: Una muchacha fallece durante un aborto clandestino. Pronto, gente del estudio fotográfico Albatros, donde la chica trabajaba, empiezan a ser asesinados. Cualquiera de ellos puede estar detrás de las muertes.

Comentario: Pese a unos inicios algo más serios, pronto Andrea Bianchi se decantaría por la exploitation pura y dura. En su quinta película, “Desnuda ante el asesino”, el realizador romano apostaba por el giallo (1). La cinta arrancaba con un prólogo estupendo, con una joven que durante un aborto muere en la mesa de operaciones. Para desentenderse del incidente, el médico llama a un amigo y llevan el cuerpo a casa de la chica para simular que ésta ha fallecido allí en la bañera, dejando el grifo abierto. Y con un grifo abierto y sonando el agua correr, el asesino preludia que va a deshacerse de las correspondientes víctimas, será siempre parte del modus operandi del maníaco homicida de turno (2). Un psicópata que en este caso cambia la arquetípica indumentaria propia de “La Sombra”, el personaje pulp, por un ceñido mono y casco de motorista que nos oculta su identidad (3).

Lástima que el resto de la película no esté a la altura, y encontramos más anotaciones en el debe que en el haber. Uno de los puntos más flacos del film recae sobre un pilar básico del giallo, los asesinatos. Si estos, su ejecución y su liturgia, son muchas veces la razón misma del género, sobre la que se tejen unos guiones a veces prescindibles, la originalidad de estos y su particular puesta en escena hubiera hecho las delicias de Thomas De Quincy. No vamos a comparar a Bianchi con el maestro, pero hasta los filmes de Mario Bava más maltratados por la crítica, “Cinco muñecas para la luna de agosto” (1970) y “Bahía de sangre” (1971), contienen unas increíbles, originales y muy trabajadas escenografías del crimen (4). Y sin embargo, Bianchi se muestra rutinario en ello, con el enmascarado psicópata dando muerte a todos sus objetivos de igual manera, a cuchillazo limpio.

Además, quedando buena parte de estos fuera de campo, dando la sensación que es más por no trabajar la puesta en escena que algo pretendido. Tampoco recurre a la estilización y manierismos propios de su tiempo, ni siquiera adopta la cámara subjetiva como punto de vista del psicópata (y el espectador), prefiriendo colocarse a espaldas de aquel. A destacar, no obstante, en el desenlace, cuando el motorista se enfrenta a Carlo (Nino Castelnuovo), y aquel se arma con la espada que sostiene una armadura entre sus piernas, de tal modo que parece estar arrebatándole su virilidad (algo que va en consonancia con los motivos del asesino) en un momento que queremos ver intencionado.

Y si en un giallo los crímenes no funcionan como el motor de la acción ¿qué le interesa al director?. Era 1975, los vientos soplaban en otra dirección (5) y Bianchi parecía ya prever su ulterior carrera, marcada por el sexo (6). Abundan pues los desnudos de las féminas, contando en el reparto con los estupendos cuerpos de Edwige Fenech (7), Erna Schürer o Femi Benussi. Y el realizador se permite incluso comentarios jocosos sobre las posaderas de la Benussi (a cargo de un Castelnuovo que parece estar en una comedia de Alvaro Vitali o Lino Banfi) o terminar la cinta con un chiste sobre el sexo anal.

Para sus fines, Andrea Bianchi se sirve de algunas constantes del género (ya clichés) que datan del principio de éste, el mundo de la moda (8) y las lesbianas. Las casas de moda, los estudios fotográficos, las modelos, los fotógrafos, etc... datan en el giallo desde sus orígenes, desde la seminal “Seis mujeres para el asesino” (1964) de Bava padre (9), y recorre toda la trayectoria del género hasta llegar a los intentos, ya en los 80 y 90, de resurgir el mismo con cintas como “Crímenes en portada” (1987) de Lamberto Bava, “Bajo el vestido nada” (1985) de Carlo Vanzina, o su secuela “Demasiado bellas para morir” (1988) de Dario Piana. Las lesbianas fue otra constante del thrilling all’italiana (10) en mil y un títulos desde los primeros ejemplos de éste en los años 60, asociadas generalmente a las clases altas, a mujeres de carácter liberal, sin prejuicios ni ataduras, convertidas pues en uno de blancos favoritos del asesino moralista de turno, y en el film de Bianchi influye incluso en el desenlace de la trama.

El realizador incluye a los ricos decadentes y viciosos habituales en el cine de género italiano de la época, representados en esta ocasión por el matrimonio propietario del estudio Albatros. Ella, Gisella (Amanda), es quien realmente dirige el negocio. Lesbiana, aprovecha su posición para acostarse con las chicas con las que trabaja, manteniendo una relación de dominación. Él, Maurizio (11), es un pobre diablo, siempre a la sombra de su esposa e impotente con las chicas, sólo es capaz de montárselo con una muñeca hinchable. Ambos serán, desde luego, objetivos a eliminar por el maníaco. Quién se oculta tras el casco de motorista no resulta al final muy difícil de averiguar conforme avanza el metraje, ya que el resto del personal del estudio ha sido pasado a cuchillo.

En el terreno musical, los motivos reconocibles del género que marcaran Ennio Morricone o los Goblin son sustituidos por un tema principal de funky-jazz más propio del thriller de acción norteamericano del momento. Y a lo largo de la cinta escuchamos una melodía más acorde con el cine erótico italiano. Seguramente por todo lo reseñado arriba, “Desnuda ante el asesino” es uno de los giallos que siempre ha gozado de peor crítica. Pero, a su favor, decir que su carácter de producto exploitation, repleto de descaradísimos desnudos de las chicas que pueblan el film, sus concesiones a la comedia,... lo hace hoy muy disfrutable. Y lo coloca por encima de otros títulos como, por ejemplo, “Ojos sin cara” (1994) de Bruno Mattei, por otro lado loable intento de resucitar el género en un momento de sequía, quizá el giallo más aburrido que hemos visto... Alfonso & Miguel Romero

Psychometro

•••••

(1) Aunque en los libros dedicados al giallo salga acreditado como tal, el primer film de Bianchi, “Diabólica malicia” (1972), más que con el thrilling all’italiana tiene relación con exitosos trabajos de Polanski como “Repulsión” (1965) o “La semilla del Diablo” (1968).

(2) En el asesinato del fotógrafo Mario Ferrari (Claudio Pellegrini), el grifo abierto es sustituido por el asesino echándose un vaso de whisky. Con el mismo sonido pero sustituyendo el líquido elemento. El agua se cambia por... sí, JB. Por cierto, hay constante publicidad a lo largo de todo el film de tal marca y de Levi’s.

(3) En 1980 Ken Hughes dirige en los USA un psychothriller cuyo asesino luce misma indumentaria, “The terror eyes”, conocida en nuestro país con el desconcertante título de “Psicosis 2” (en VHS por Shock Video). Y, no sabemos si esto es muy descabellado, pero ¿qué hay del cruel y sádico motorista asesino del comienzo de “Hostel 2” (2007)?, recordemos que en la película de Eli Roth hay no pocos guiños al cine de género italiano de la era dorada, incluida Edwige Fenech de profesora... de arte.

(4) Sólo un par de ejemplos (hay muchos, cada uno que elija el/los que quiera) de giallos que acusaban gran importancia del sexo y que además prestaban singular impronta a la originalidad de los asesinatos y una muy currada puesta en escena de los mismos: “La bestia mata a sangre fría” (1971) de Fernando Di Leo, y “La noche que Evelyn volvió de la tumba” (1971) de Emilio P. Miraglia.

(5) Según diversas voces, a mediado de los 70 el giallo estaba agotado, ya había dado todo de sí. Es entonces cuando proliferan lo que algunos críticos llaman porno-thrilling, filmes donde los actos del maníaco homicida son tan sólo un mac-guffin para mostrar carne femenina, cintas más próximas al softcore que al giallo propiamente dicho, sin que ello medre la brutalidad de los asesinatos. Los mayores ejemplos serían “Crimen sin huella”/“Giallo a Venezia” (1979) de Mario Landi, y “Play Motel” (1979) de Mario Gariazzo.

(6) La filmografía de Bianchi va a seguir orientada al erotismo, ya sea en comedias, dramas e incluso en sus cintas de terror, caso de “Posesión de una adolescente”/“Malabimba” (1979), su aportación al cine satánico surgido al calor de “El exorcista” (1973) de William Friedkin, donde pesa bastante la presencia del sexo, y de la que en algunos países gozaron de una versión con insertos hardcore. Ya en los 80, Bianchi alternó cintas de género con incursiones en el triple X.

(7) Uno de los grandes nombres de la comedia sexy italiana por derecho propio. La Fenech no obstante intervino en un buen puñado de giallos: “Top sensation” (1969) de Ottavio Alessi, la mencionada más arriba “Cinco muñecas para la luna de agosto” de Bava, “Las lágrimas de Jennifer” (1972) de Giuliano Carmineo, o “La perversa señora Ward” (1971), “Todos los colores de la oscuridad” (1972) y “Vicios prohibidos” (1972), las tres dirigidas por Sergio Martino, por aquellos años cuñado de la intérprete.

(8) En ocasiones sustituido por los afines y también glamourosos terrenos del cine, el teatro e incluso la ópera, en títulos como “Ciak... si muore!” (1974) de Mario Moroni, “Aquarius” (1986) de Michele Soavi, o el “Terror en la ópera”/”Opera” (1987) de Dario Argento.

(9) Un universo que revisitaría en 1969 en “Un hacha para la luna de miel”.

(10) En la última década dos psychothrillers franceses, “En lo profundo del bosque” (2000) de Lionel Delplanque (en muchos aspectos un remake inconfeso del “Aquarius” de Soavi) y “Alta tensión” (2004) de Alexander Aja, se han aproximado mucho al viejo giallo italiano, y en ambos chicas lesbianas tienen notable importancia en la trama, aunque ahora con otros roles que meras víctimas... los tiempos cambian.

(11) Interpretado por el orondo Franco Diogene, un actor muy prolífico en el cine de género al que se le recuerda principalmente por sus personajes de salido tras las prietas carnes de la Fenech (¡y quién le culpa!) en las comedias sexys al servicio de ésta. Dentro del giallo le veríamos en “Extraña muerte de una menor” (1975) de Sergio Martino, o el “Trauma” (1980) de Gianni Martucci, esta última en los confines del género.

Trailers

Surveillance

2009-06-19T20:37:00.027+02:00

Surveillance IMDb

Año: 2008 (USA-Alemania)
Director: Jennifer Chambers Lynch
Interpretes: Julia Ormond, Bill Pullman, Pell James, Ryan Simpkins, Michael Ironside, French Stewart, Kent Harper, Caroline Aaron.

Sinopsis: En un día caluroso, los federales (Ormond y Pullman) llegan a la comisaría de un perdido pueblo para interrogar a varios testigos de una sangrienta matanza. Dos asesinos en serie con mascaras han preparado la de Dios es Cristo en plena carretera del desierto, cada uno de los testigos darán su versión de los hechos.

Comentario: Habéis acertado, la directora es hija del maestro Lynch, pero ya es mayorcita y ella solita se lo ha currado para contarnos una orgía de sangre en pleno desierto, con unos demoledores flash-back, la película es una increíble bajada a los instintos más primitivos del ser humano. Espectacular el desenlace de la cinta con dos increíbles Pullman (donde ya desmostro lo que valía en “Carretera perdida” o “La ultima seducción”) y la guapísima Julia Ormond. El siempre consistente y habitual del fantástico Ironside da vida a un inocente sheriff de pueblo, que esta más preocupado en dejar de fumar que en resolver los crímenes, a su mando una pandilla de hijos de puta policías que no saben hacer la “o” con un canuto. Poco más que añadir a la cinta ganadora del ultimo Sitges y a lo que ya se puede considerar un clásico moderno dentro de las películas de carretera, y es que como decía el abuelo…de casta le viene al galgo. Javier Castellanos

Psychometro: •••••

Trailer

Como perros rabiosos

2009-06-16T16:37:00.033+02:00

Come cani arrabbiati IMDb

Año: 1976 (Italia)
Director: Mario Imperoli
Interpretes: Jean-Pierre Sabagh, Annarita Giaputo, Paola Senatore, Cesare Barro, Luis Latorre, Gloria Piedimonte.

Sinopsis: Tras un atraco en un estadio de fútbol y otro en unas oficinas por tres encapuchados, en ambos dejando cadáveres a su paso, el comisario Paolo Mozzi está convencido que uno de los tres culpables es Tony Ardengi, hijo de un adinerado empresario cuya influencia llega a las más altas esferas. El inspector intentará ir cercándolo para atraparlo, mientras el joven y sus amigos intentan culpar al padre de Tony, y en sus hazañas criminales comienzan a matar a socios y conocidos del potentado empresario.

Comentario: El nombre de Mario Imperoli continúa siendo poco conocido para los fans del cine de género italiano de las doradas décadas de los 60 y 70. De su corta filmografía, sólo ocho largometrajes como director, la mitad conocería estrenos en las salas de nuestro país, pero quedaron fuera algunos de sus títulos más potentes. Su debut en la realización sería “Mia moglie, un corpo per l’amore” (1973), estupendo psycho-giallo al estilo de la prestigiosa trilogía del binomio Lenzi-Baker. Eros y Thanatos en perfecta y sangrienta unión, y la fatalidad como único posible (y querido) desenlace. Si bien el sexo (y la muerte) será constante en un buen número de giallos, en el caso de Imperoli será la espina dorsal sobre la que se vertebre toda su filmografía, unida siempre con una mirada no irónica sino acusatoria y crítica hacia la burguesía y las clases dominantes, retratados como gente corrupta, poco de fiar, que parece destinada, por sus vicios y sus actos, a un final trágico.

Lo encontramos también en el segundo (y último) giallo que rodó, “Instantánea per un delitto” (1974), pero también en sus cintas protagonizadas por la guapísima Gloria Guida (1), “La ragazzina” (1974) y “Blue jeans” (1975), donde además trataba la cuestión de la prostitución, e incluso en la comedia sexy “Mis dulces tías”, aunque en esta última de una forma más desenfadada, el género así lo pedía, pero donde se atrevía a relucir ciertos apuntes sobre el incesto, tema tratado después de una forma más agresiva en “Esa extraña forma de amar” (1977), con George Eastman metido en el guión. Los dos títulos restantes de su filmografía se encuadran dentro del poliziesco, “Come cani arrabbiati” y “Canne mozze” (1977), éste su film póstumo, que data del mismo año de su muerte.

La película que aquí nos ocupa aúna temas y elementos propios del género que ya habíamos visto en otros policiacos a la italiana: el comisario de hierro que no ve diferencia entre su trabajo y una venganza personal, que vive continuamente para su puesto; los hijos contestatarios de ricos sin escrúpulos, que odian a sus progenitores; las persecuciones con aquellos viejos Fiat por las calles de Roma, etc... con las obsesiones de Imperoli, con sus burgueses corruptos, amorales e inmorales, y la omnipresencia del sexo. Es curioso que, contrariamente al terror gótico o al giallo, el poliziesco, que llega años después de aquellos, nunca diera mucha importancia a los desnudos y al sexo (2). Son pocos los títulos, dentro del policiaco italiano, que estos hacen presencia o tienen cierta relevancia (3), caso de “Asesinato de una call-girl” (1980) de Sergio Bergonzelli, o, en menor medida, “Secuestro de una mujer” (1973) o “I padroni della città” (1976) de Fernando Di Leo, o algunos de los protagonizados por Joe Dallessandro... y poco más.

La tónica general fue, como mucho, mostrar, y de manera rápida, alguna escena de amor entre el comisario protagonista y su novia o algún ligue, sin mayor relevancia, sin importar en la trama, y si no aparece tampoco pasa nada. Imperoli, por el contrario, utilizará el sexo para definir mejor a los distintos personajes: Enrico Andagni, el rico empresario, a quien sólo le importa el éxito final, para quien no hay ni ley, ni moral, ni religión, que piensa que “si pierdes, te arrastran”, quien todo lo compra con dinero, frecuenta los viernes a dos jóvenes putas, Leila y Marisa, “me ayuda a relajarme”, y también se acuesta con Silvia, amiga y amante, amén de cómplice, del hijo de aquel, Tony. Éste odia a su padre y quiere hundirlo, tiene sexo con Silvia, quien comparte su filosofía de la vida, y obtiene un placer sádico torturando y asesinando (4), junto con sus amigos, a allegados de su padre. Paolo Mozzi, el comisario, también tiene sus relaciones, con una compañera, Germana, y con Silvia, inducido por ésta, constatando el carácter libertario (y libertino) de la muchacha (y su generación) (5).

Los tres jóvenes (Tony, Rico y Silvia) han gozado de una privilegiada posición económica y de una total libertad, y se creen por encima de los demás. Roban y matan por odio. Son los perros rabiosos a los que alude el título, y para los que no hay cura y no queda otra opción que matarlos. Son aquellos desencantados de su generación que en sus actos se acogieron al terrorismo (de extrema derecha, izquierda o anarquistas) azotando al país. Imperoli les destina este único final. Silvia muere de un disparo a bocajarro en el estómago de la escopeta de uno de sus compañeros cuando éste forcejea con una de sus víctimas; al intenta huir, Rico es alcanzado de un tiro por Mozzi. Pero la muerte más ejemplar le aguarda a Tony, el peor de todos, en su fuga en el coche de Germana se encontrará con una alterada manifestación de la clase obrera que pide, entre otras cosas, más salario y escuela para todos, y quienes, ante su actitud, lo sacan del coche para matarlo a golpes, sin que la ley, el comisario, aunque se esfuerce, logre impedirlo. En una más que evidente alegoría de la revolución del proletariado contra el corrupto capital. El realizador refuerza esto cuando en el último plano, con el rostro muerto y ensangrentado del joven sobre el asfalto, reza “La muerte del asesino no merece lágrimas”.

Según la propia crítica especializada italiana, el presente film es uno de los poliziescos más difíciles de encontrar actualmente. Parece ser que no hay copia italiana en VHS (y menos en DVD) y la que circula (y poco) es la griega (en formato 4:3, con audio italiano y subtítulos en el idioma de la isla), la que aquí, obviamente, hemos comentado. Y cuentan que por E-Bay han pedido por la cinta cifras astronómicas. Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Uno de los más bellos rostros que se recuerdan de la comedia gremial erótica italiana de los 70 y primeros 80, gracias a películas como “El médico y la estudiante” (1976) de Silvio Amadio o “Enfermera de noche” (1978) de Mariano Laurenti. Pero también la vimos, no lo olvidemos, en los dramas eróticos “Sueños y aberraciones de una menor”/”La menor de edad” (1975) y “Pecados de juventud“ (1975), ambas de Amadio, “Las veinteañeras” (1978) de Fernando Di Leo, o las dos que rodara a las órdenes de Imperoli.

(2) El fumetto per adulti de la época, al contrario, utilizó el sexo, junto a la violencia, como principal reclamo en sus viñetas dentro del policiaco en las páginas de “Mafia”, “Luce rossa”, “Fatti oggi”, “Actualità nera”, “Coldplay” (en España publicado por Zinco como “Chacal”), etc...

(3) Hay que tener en cuenta que algunos filmes del género se estrenaron en nuestros cines con los consabidos cortes de rigor de la censura aún vigente.

(4) Algunas escenas ejemplares: En el segundo atraco cogen a una rehén a la que harán creer que puede escapar para, una vez la sorprenden, desnudarla y matarla de un tiro. Otra, la tortura y asesinato de Leila, una de las prostitutas, en el bosque. Y tres, llegan a casa de un socio del padre de Tony y se lo encuentran enrollado con una chica, les obligan a follar pero al tipo no se le levanta debido a la situación, y Silvia le incrusta a la muchacha los cañones de su escopeta en el sexo, “Yo te voy a enseñar cómo se hace”.

(5) El rasgo que mejor define a Mozzi es su muy personal (incluso paranoico) sentido de la justicia, en perfecta conjunción con el género, llegando a convencer a su compañera para que se haga pasar por la prostituta Marisa como señuelo para los jóvenes, consiguiendo tan sólo que estos estén a punto de violarla.

Trailer

F.E.N

2009-06-13T08:11:00.029+02:00

F.E.N IMDb

Año: 1980 (España)
Director: Antonio Hernández
Interpretes: Jose Luís López Vázquez, Héctor Alterio, Laura Cepeda, Joaquín Hinojosa, Mary Carrillo, May Heatherley, Vicente Hernán, Yolanda Rios.

Sinopsis: En un colegio salesiano dos antiguos alumnos se vengan de sus ex-profesores sometiéndoles a vejaciones y humillaciones de todo tipo.

Comentario: F.E.N, es obra de un paisano de los realizadores de este humilde blog ; Antonio Hernandez nació en Peñaranda de Bracamonte, a poco más de 40 Km. de la capital charra y se inicio en el cine con este film. Su carrera ha sido irregular con algunas idioteces al estilo “El gran marciano” (donde aprovecho al máximo el tirón de Gran Hermano), o joyas del calibre de “Lisboa”(cojonuda road-movie con dos soberbios Luppi y Maura) o la no menos digna “En la ciudad sin limites” (un clásico moderno del patrio). Curioso el caso de F.E.N, pues el guión es sólido al máximo, pero la construcción y desarrollo del mismo no es llevada a buen puerto. Lastima el desaprovechar a dos de los grandes: López-Vázquez y Alterio, por el contrario la interpretación de Hinojosa es lo único que levanta el interés en la opera prima del salmantino, dando por valido que aun fuera solo un novato y que como he dicho anteriormente, se ha convertido es un honesto cineasta. Javier Castellanos

Psychometro: •••••

El baile de las ánimas

2009-06-05T12:50:00.001+02:00

El baile de las ánimas IMDb

Año: 1994 (España)
Director: Pedro Carvajal
Interpretes: Ana Álvarez, Rosa Álvarez, Ángela Molina, Mónica Molina, Dorotea Bárcena, Paloma Cela, José Conde, Joaquim de Almeida, Xulio Lago, Luisa Merelas.

Sinopsis: A finales de los 40, una chica se escapa del internado donde la tiene su padre para ir a reunirse con su madre, y tras un tiempo con ella descubre por qué se separaron sus padres.

Comentario: Una parte de la península española, concretamente Galicia siempre ha estado llena de supersticiones, de tal manera que sus gentes siempre han vivido en torno a espíritus andantes popularmente llamados la “Santa Compaña” ó “El baile de las ánimas” en el cual se supone que cierto día del año los fantasmas son liberados de su purgatorio. Lo que mezcla esta película es ficción con realidad ya que dentro del argumento se entrelaza una historia sobre una madre, su hija y una mujer que en un baile de ánimas acabo suicidándose y lo que quiere es que se vuelva a celebrar esta costumbre en el pueblo para que su alma pueda descansar en paz. Aprovecha el espíritu, la llegada de la hija para darse a conocer en la casa con extraños sucesos, y es de esta manera como la joven empieza a investigar que ocurre, llegando hasta el fondo del asunto, un tanto turbio dado que el fantasma que ronda entre los pasillos no es otro que el de su tía que quedó embarazada de su padre(un tipo mujeriego) y decidió poner fin a su vida para no hacer daño a su hermana (interpretada magistralmente por Ángela Molina) .Curiosamente su hija en el filme es su verdadera hija, Mónica Molina. La historia es muy buena, las interpretaciones también pero la película es demasiado efectista y artificial, una verdadera pena pues se podía haber sacado mucha más esencia a lo que en principio prometía muchísimo más. Javier Castellanos

Psychometro: •••••

Buitres sobre la ciudad

2009-05-31T08:26:00.069+02:00

Avvoltoi sulla città IMDb

Año: 1980 (España-Italia-Mexico)
Director: Gianni Siragusa
Interpretes: Maurizio Merli, Nadiuska, Francisco Rabal, Mel Ferrer, Fernando Sánchez Polack, Hugo Stiglitz, Alejandro de Encisa, Lilli Carati, Frank Braña, Eduardo Fajardo

Sinopsis: Madrid, una reunión de importantes industriales se salda con el asesinato de uno de estos a manos de un francotirador. El periodista ítaloamericano Mark Spencieri se interesa por el caso, está seguro que algo importante se oculta detrás. Comienza a investigar y se ve involucrado en una guerra entre mafiosos y marselleses. Su empeño en destapar todo el asunto conlleva a que le den una paliza y violen a su novia, que finalmente morirá. La cosa se va haciendo cada vez más personal y la policía quiere echarlo del país por involucrarse en sus asuntos, pero hay algo que Mark esconde.

Comentario: Script, entre otras funciones técnicas, actor o stunt ocasional, y director de segunda unidad en títulos como “Los tres superhombres en el oeste” (1973) de Anthony Blod e Italo Martinenghi o “El vicio tiene medias negras” (1975) de Tano Cimarosa, la carrera como realizador de Gianni Sigarusa se reduce a cuatro títulos (en tres de los cuales ejerció también de guionista) a lo largo de dos décadas. De los cuales, el más conocido es este “Buitres sobre la ciudad”. Con José María Forqué participando en el guión junto a Bruno Fontana y el propio Siraguza, el realizador construye un thriller que conforme avanza se va convirtiendo en un poliziesco. Un poliziesco que cambia su escenario habitual de las principales ciudades italianas como Roma, Milán o Nápoles por un Madrid repleto de conocidos rostros del cine español: Eduardo Fajardo, Frank Braña, Paco Rabal, Manolo Zarzo o Nadiuska(1).

Con una banda sonora que no está a la altura de los grandes policiacos italianos, y un guión que no elude sino que aprovecha situaciones y lugares comunes del género: persecuciones automovilísticas, peleas (2), explosiones (3), violencia contra las mujeres, palizas y torturas, tiroteos, atropellos, e incluso un número de cabaret (no muy bien fotografiado, todo sea dicho, y acompañado por una horrorosa música de sintetizador). Refuerza su carácter de policiaco a la italiana el protagonismo de Maurizio Merli, luciendo el mismo peinado y look (incluso la gabardina) de sus poliziescos bajo las órdenes de Umberto Lenzi, Giuseppe Rosati o Stelvio Massi. Sino que en esta ocasión en lugar de encarnar a uno de aquellos inquebrantables comisarios que le dieron la fama (4), interpreta a un no menos tenaz periodista ítaloamericano que opera en Madrid, ¿o no?.

Con todo, su papel tiene matices, comienza llevando la investigación que le ha encargado Denise Marciano (Nadiuska) de manera harto obsesiva, frente a los reproches de su novia Isela (Lilli Carati), éste puede ser el caso de su vida. Pero cuando los implicados ven que se acerca demasiado, mandan a unos matones para que le den una paliza al periodista y a otros para que violen a Isela, como aviso. Mark se vuelve más violento y clama venganza (“¿Estás herido en tu honor de macho?” le espeta su chica). Secuestra al abogado Bender, Paco Rabal en otra de sus destacadas intervenciones en el género (5), y lo tortura para que le diga quién está detrás de todo. Los marselleses le proponen cambiar a Bender por Isela, a quien han capturado, y en el intercambio se produce un tiroteo en el que muere la joven. Spencieri es ya una fiera sedienta de sangre, más un justiciero urbano que otra cosa, y no cederá hasta llegar al final.

Una conclusión tajante y amarga que evoca la de otros célebres poliziescos como “Turín negro” (1972) de Carlo lizzani, o “Asesinato de una call-girl” (1980) de Sergio Bergonzelli. También guarda relación con otros títulos del cine criminal italiano la situación del individuo frente a la organización (mafiosa) controlada por supuestos hombres de respeto (iglesia, negocios, ley...). A pesar que algunas escenas no tengan la garra que merecían o están resueltas de forma algo precipitada, otras resultan soberbias y llenas de fuerza (6), y el resultado final la sitúa en un destacado lugar entre el policiaco nacional (aunque sea en régimen de coproducción). Cabe señalar que a las dos actrices protagonistas les aguardaría un común y trágico futuro (7). Mel Ferrer, por aquellos años un rostro muy común en el cine europeo de género, como comisario de policía no muy de acuerdo con que Spencieri se meta en los asuntos que conciernen a la ley. Para los más puntillistas, Mark y Hannon (Frank Braña) aparecen bebiendo unos JB (8). Alfonso & Miguel Romero

Psychometro: •••••

(1) Un carácter español que se refuerza con la imagen de Merli leyendo el diario El País.

(2) Hay incluso una pelea claramente cómica entre Spencieri y su colega fotógrafo Teo contra dos matones que parece más propia de un film de Bud Spencer y Terence Hill.

(3) Una de estas explosines también con una conclusión humorística. Mientras Mark llama por una cabina a la señora Marciano, una bomba hace explotar el coche del periodista. Teo le pregunta irónicamente “¿A qué no tienes seguro de incendios”?, y aquel responde sin inmutarse lo más mínimo “Iremos en el autobús”.

(4) Papel heredado de los interpretados previamente por Franco Nero.

(5) Igualmente tiene una destacada participación en “El consejero” (1973) de Alberto De Martino.

(6) El montaje en paralelo de la escena de la paliza a Mark con una estación de trenes vacía como telón de fondo, y la violación a Isela en su piso es muy ingenioso y produce desasosiego e impotencia en el espectador. Además, ambos concluyen con los matones indicando a sus víctimas que ha sido sólo una advertencia. También a destacar la tortura con un puro de Mark al abogado Bender. Y, por no enrollarnos mucho, destacar el plano del periodista en las afueras de la ciudad con una vieja y humeante factoría al fondo, que nos retrotrae a algunos giallos de la década anterior.

(7) Más guapa que buena actriz, de acuerdo, a Nadisuka se la recuerda principalmente por su destacado papel jugado en el destape y por algunas comedias picantes de aquel periodo bajo la dirección de Ozores, Lara Polop o Lazaga. Pero en su filmografía nos topamos con títulos como “Desnuda inquietud” (1976) dirigida por Miguel Iglesias para la Profilmes, o esta “Buitres sobre la ciudad”. Su caída en las drogas hundiría también su carrera y, aunque ha intentado volver en diversas ocasiones (siempre hermosa), ya nada sería igual. La Carati, por su parte, comenzó a mediados de los 70 en la comedia erótica para en los 80 colaborar en interesantes filmes de Joe D’Amato. Por esa época empieza a tener graves problemas con las sustancias ilegales. Acepta un reportaje fotográfico con sexo explícito para la revista “Men”, causando un cierto revuelo en Italia. Cuando va a cumplir los 35 se pasa al porno en un puñado de títulos donde destacan los que rodaría con el veterano y especialista en la materia Henry Pachard.

(8) La marca de bebidas más habitual en el cine de género italiano y español de la época de las coproducciones junto a Pejo y Cinzano.

Algunas capturillas de cameos del JB en diversas peliculas

Asesinato de una Call Girl

Milan Tiembla

Venganza de mujer